Giorgio de Chirico naît le 10 juillet 1888, à Volos, d’une famille noble d’origine Dalmate. Son père, Evaristo de Chirico était un expert en construction des chemins de fer. Il participa notamment avec les ingénieurs grecs à la construction de la ligne Kalambaka Meteora. L’enfance de Giorgio se passe à Volos, ville portuaire de Thessalie où il prétend entendre des voix le guidant vers l’art. Déambulant dans les gares que construit son père, il croque les voyageurs et les habitants des villages. Mais ce qui l’inspire le plus est sa culture de la Grèce antique où dieux et centaures se découpent sur fond de paysages maritimes. Par ailleurs, les silhouettes d’usines l’inspirent, avec leurs toits en dents de scie et leurs cheminées aux silhouettes verticales.

Giorgio se construit alors un univers fantastique où les bateaux lui suggèrent le départ des argonautes et les trains suggèrent le voyage.

En 1900 il s’inscrit à l’école des Beaux-Arts d’Athènes et a Iakovidis comme professeur. Comme il le dira plus tard, c’est à Athènes qu’il apprit à maîtriser le dessin. En 1909, il réalise Le départ des Argonautes où il se représente sur une plage avec son frère, à côté d’une statue d’Athéna. Il effectue alors un voyage à Rome et Florence afin d’explorer ses affinités pour l’Antique. Ses toiles sont alors des paysages acadiens faits de vignes et de cyprès.

Puis il se rend à Munich et fréquente les milieux intellectuels passionnés d’art antique. Mais il découvre aussi l’expressionnisme à travers les œuvres de Böcklin. Ce dernier, comme lui, s’inspire des énigmes de l’univers pour expliquer les mystères de sa propre existence. De Chiricho s’intéresse aussi à la métaphysique, découvre Nietzsche. Ainsi, il développe à partir de « l’éternel présent » une représentation de l’instant immobile suspendu entre deux éternités, le passé et le futur. Ses toiles épurées abandonnent visite le lyrisme des premiers paysages. Elles influenceront fortement les Surréalistes.

En un premier temps, il peint des mannequins aux formes géométriques. Sa pâte picturale est onirique et ses compositions très épurées. Arrivé à Paris, il expose dès 1913 des tableaux métaphysiques. Là, la figure d’Arianne et de Thésée sont omniprésents, ainsi que celle du père, ingénieur ferroviaire symbolisé par la présence de trains et de gares. Son œuvre parlent de tout autre chose que les innovations plastiques de son temps.

Guillaume Apollinaire le remarque et écrit en 1913 un article sur le jeune artiste. « L’art de ce jeune peintre est un art intérieur cérébral qui n’a point de rapport avec celui des peintres qui se sont révélés ces dernières années. Il ne procède ni de Matisse ni de Picasso, il ne vient pas des impressionnistes. Cette originalité est assez nouvelle pour qu’elle mérite d’être signalée. Les sensations très aiguës et très modernes de M. de Chirico prennent d’ordinaire une forme d’architecture. Ce sont des gares ornées d’une horloge, des tours, des statues, de grandes places, désertes ; à l’horizon passent des trains de chemin de fer.

De Chirico s’installe à Rome et entretient une correspondance avec André Breton et Paul Eluard En effet, les Surréalistes sont touchés par sa démarche métaphysique dans l’art. Pour autant, on le critique en trouvant que sa représentation méditative de l’Antiquité est une forme de régression. En 1922 le marchand Paul Guillaume organise une exposition du peintre. Ainsi, grâce à Guillaume mais aussi Apollinaire et Paul Rosenberg, Chirico sort de l’ombre.

1. Ce dernier continue sa démarche, en peignant des objets hétéroclites, comme des artichauts ou des fruits exotiques dans un paysage lunaire. Il évoquera alors « la solitude des signes » et « la nostalgie de l’infini ». Ses toiles où l’absence de l’homme est consternante, suggère de façon prémonitoire, la métaphysique du vide. Les titres mêmes de ses tableaux sont éloquent : La nostalgie du départ , L’incertitude du poète ou la solitude de l’ingénieur. Cette période dite « métaphysique » sera celle la plus attachée à son nom. Mais lorsqu’il s’en éloigne, ses relations avec les Surréalistes se détériorent . En 1926, un texte cinglant d’André Breton l’expulse de sa sphère. Raymond Quenaud ajoutera même : L’œuvre de Chirico se divise en deux périodes, la première et la mauvaise.

Chirico quitte Paris et s’installe en Italie où il défend la peinture classique et fréquente les milieux d’avant-garde. Ces derniers s’épanouissent à un moment où Mussolini assoit son pouvoir. Ce dernier se garde bien d’ honnir les artistes modernes qui revendiquent un art national. Très vite, on traite de Chirico comme nationaliste voire de fasciste. Mais les critiques sont pires : volontiers xénophobes, ils l’accusent aussi « d’incapacité picturale ». De Chirico réagit en peignant dans les années 30 de déroutantes toiles « romantico-baroques »

Ainsi, de Chirico revient à un style traditionnel comme par désenchantement, peinture que Max Ersnt qui l’admirait beaucoup appelait des « autocopies ». D’autres critiques évoqueront des « redites » au regard des « places d’Italie ». On comprend ainsi ses dernières œuvres comme celles tournées vers le passé, alors qu’elles prolongent son travail sur les « paysages métaphysiques ». C’est aussi ignorer la poésie des « bains mystérieux » commencés dès 1934 pour illustrer un poème de Cocteau : Mythologie. L’artiste s’inspire des bains de Volos, village de son enfance ou de la toile de Cranach la Fontaine de Jouvence. De Chirico associe de façon onirique les formes architecturales, l’eau et les baigneurs.

Giorgio de Chirico, des paysages métaphysiques aux places d’Italie.

Véronique Proust

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Issu d’une famille grecque qui s’installe ensuite en Italie, de Chirico crée la peinture métaphysique en 1917. En effet, cet artiste allie des éléments du présent et du réel qui n’ont pas de rapport entre eux. Mais leur assemblage inventé par le peintre leur donne une dimension nouvelle, ainsi qu’une grande poésie. Ainsi ses toiles allient des sujets issus de l’Antiquité telles des arcades, statues ou monuments antiques, avec des bananes ou des artichauds.

En 1911 de Chirico est à l’école polytechnique d’Athènes et apprend le dessin et l’art antique. Mais après la mort prématurée du père, ingénieur ferrovière, madame de Chirico décide d’installer ses deux fils à Munich.

Ainsi, Giorgo de Chirico et son frère Andréa (Alberto Salvinio) côtoient l’intelligentzia munichoise des années 1912. Et de Chirico découvre la pensée des philosophes allemands tels que Nietzsche et Shopenhauer. Alors, il en retient la notion du temps, de l’éternel recommencement et de l’intemporalité. Dès lors, ses toiles vont s’en ressentir. Avec des couleurs vives et personnelles, il pose en aplat des objets du réels qui sont des signes. Ce sont des usines ou des locomotives en marches, des places vides et des statues antiques. Dans ses toiles, nul ne sait à quelle époque on est.

Puis, on remarque assez vite son arrivée à Paris en 1911. Apollinaire le distingue aussitôt et le présente à ses amis Breton, Eluard, Picasso et Paul Guillaume qui deviendra son premier marchands d’art.

Voici ce que dit Apollinaire en 1913. « L’art de ce jeune peintre est un art intérieur cérébral qui n’a point de rapport avec celui des peintres qui se sont révélés ces dernières années. Il ne procède ni de Matisse ni de Picasso, il ne vient pas des impressionnistes. Cette originalité est assez nouvelle pour qu’elle mérite d’être signalée. Les sensations très aiguës et très modernes de M. de Chirico prennent d’ordinaire une forme d’architecture. Ce sont des gares ornées d’une horloge, des tours, des statues, de grandes places, désertes. A l’horizon passent des trains de chemin de fer…..

Sa rencontre avec l’avant-garde parisienne va le conduire à connaître la construction cubiste et l’art de Picasso. En effet, cela va l’influencer considérablement dans le reste de sa création. Très vite, les Surréalistes vont le prendre pour leur mentor. André Breton appréciera particulièrement Le cerveau de l’Enfant . Il achètera la toile pour la revendre en 1962 mais dont il en fera un véritable commentaire. Il admirera la description du rapport au temps, à l’espace et à la lecture. Le livre jaune est une référence à la couleur du Mercure de France qui publia les premières traduction de Nietzsche. Et ce philosophe était très admiré par de Chirico.

En 1915 on rappelle l’artiste à ses devoirs militaires à Ferrare sans qu’il aille pour autant sur le front. Il travaille alors et fonde la « peinture métaphysique ». Mais ses personnages sont disloqués, tels des pantins en construction. Sa peinture change. Désormais les toiles qu’il peint à Ferrare ne présentent plus des places sereines mais des des constructions disloquées et resserrées. Puis son art évoluera dans les années 20, vers un style classique et apaisé…

De Chirico et la peinture métaphysique.

Véronique Proust

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Issu d’une famille grecque qui s’installe ensuite en Italie, de Chirico crée la peinture métaphysique en 1917. En effet, cet artiste allie des éléments du présent et du réel qui n’ont pas de rapport entre eux. Mais leur assemblage inventé par le peintre leur donne une dimension nouvelle, ainsi qu’une grande poésie. Ses toiles allient des sujets issus de l’Antiquité telles des arcades, statues ou monuments antiques, avec des bananes ou des artichauds.

En 1911 de Chirico est à l’école polytechnique d’Athènes et apprend le dessin et l’art antique. Mais après la mort prématurée du père, ingénieur ferrovière, madame de Chirico décide d’installer ses deux fils à Munich.

Ainsi, Giorgo de Chirico et son frère Andréa (Alberto Salvinio) côtoient l’intelligentzia munichoise des années 1912. Et de Chirico découvre la pensée des philosophes allemands tels que Nietzsche et Shopenhauer. Alors, il en retient la notion du temps, de l’éternel recommencement et de l’intemporalité. Dès lors, ses toiles vont s’en ressentir. Avec des couleurs vives et personnelles, il pose en aplat des objets du réels qui sont des signes. Ce sont des usines ou des locomtives en marches, des places vides et des statues antiques. Dans ses toiles, nul ne sait à quelle époque on est.

Puis, on remarque assez vite son arrivée à Paris en 1911. Apollinaire le distingue aussitôt et le présente à ses amis Breton, Eluard, Picasso et Paul Guillaume qui deviendra son premier marchands d’art.

Voici ce que dit Apollinaire en 1913. « L’art de ce jeune peintre est un art intérieur cérébral qui n’a point de rapport avec celui des peintres qui se sont révélés ces dernières années. Il ne procède ni de Matisse ni de Picasso, il ne vient pas des impressionnistes. Cette originalité est assez nouvelle pour qu’elle mérite d’être signalée. Les sensations très aiguës et très modernes de M. de Chirico prennent d’ordinaire une forme d’architecture. Ce sont des gares ornées d’une horloge, des tours, des statues, de grandes places, désertes. A l’horizon passent des trains de chemin de fer…..

Sa rencontre avec l’avant-garde parisienne va le conduire à connaître la construction cubiste et l’art de Picasso. Cela va l’influencer considérablement dans le reste de sa création. Très vite, les Surréalistes vont le prendre pour leur mentor. André Breton apréciera particulièrement Le cerveau de l’Enfant . Il achètera la toile pour la revendre en 1962 mais dont il en fera un véritable commentaire. Il admirera la description du rapport au temps, à l’espace et à la lecture. Le livre jaune est une référence à la couleur du Mercure de France qui publia les premières traduction de Nietzsche. Et ce philosophe était très admiré par de Chirico.

En 1915 on rapelle l’artiste à ses devoirs militaires à Ferrare sans qu’il aille pour autant sur le front. Il travaille alors et fonde la « peinture métaphysique ». Mais ses personnages sont disloqués, tels des pantins en construction. Sa peinture change. Désormais les toiles qu’il peint à Ferrare ne présentent plus des places sereines mais des des constructions disloquées et resserées. Son art évoluera ensuite dans les années 20, vers un style classique et apaisé…

Cours en ligne Exposition « De Chirico, la peinture métaphysique ». Marqué par la philosophie allemande et les Surréalistes, ce peintre créea la peinture métaphysique… Prix 10 € durée 1h30

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Marie Dolorès Gilbert alias Lola Montes naît en Irlande en 1821 d’un père de petite noblesse et d’une mère issue d’une famille de commerçants. Son père, officier du 44eme régiment d’infanterie est nommé aux Indes . Lola a alors 5 ans et le monde qu’elle découvre est fascinant. C’est une nounou indienne qui l’élève et l’initie aux mystères des dieux et déesses. Lola est une petite fille excentrique mais sauvage, dotée de beaucoup d’imagination. Son père meurt du choléra et sa mère épouse en seconde noce un général, le major Craignie. Ce dernier, inquiet de l’éducation frivole de sa belle-fille, l’envoie dans une pension en Angleterre.

Là, elle croit en grâce et beauté mais sa fougue inquiète ses professeurs. On lui propose un premier mariage qu’elle refuse puis jette son dévolu sur le lieutenant Thomas James qui l’épouse. Le couple retourne en Inde mais s’effrite assez vite. Lola gagne alors l’Angleterre. A Londres, elle se lie avec une actrice qui lui donne sa chance au théâtre puis se ravise. En effet, elle juge qu’avec une telle beauté la jeune fille doit plutôt danser. Ainsi apprend-t’elle la danse espagnole et prend le nom de Lola Montès à une époque où la mode espagnole traverse toute l’Europe. On l’engage alors au théâtre de Londres sous le titre de danseuse principale au theatro real de Séville. Mais le directeur se rend compte qu’il a été grugé et la renvoie aussitôt.

Lola mène alors une vie de scandale en Pologne, se produit en Prusse et à Berlin. Mythomane sans doute, elle s’invente des origines mystérieuses, fascine par sa beauté sulfureuse et intrépide. Elle intrigue et fascine à la fois. Mais à Paris, elle est très critiquée. On peut dire que mademoiselle Lola a les pieds petits et de jolies jambes. Quant à la manière de s’en servir c’est autre chose…Nous soupçonnons mademoiselle Lola d’être plus forte à cheval que sur un plancher. La musique la danse et l’opéra ont un grand succès dans toute l’Europe. Si certaines danseuses font une carrière très brillante, la danse en elle-même est toujours considéré comme un art secondaire.

Pour autant, Lola se produit au théâtre de la Porte saint-Martin en 1845 et fait ses débuts dans le rôle de Dona Seraphina. Elle excelle dans la cachucha dont elle s’est fait une spécialité. A la fin du spectacle c’est un feu d’artifice de bouquets de fleurs. Les rigoristes diront qu’elle se permet des choses contre les règles. Qu’importe ! Elle se produit dans divers capitales mais la danse n’est qu’un moyen de faire parler d’elle. En effet, ses spectacles sont des fiascos successifs, mais on parle beaucoup des scandales qu’elle provoque. Ce sont eux qui forgeront le mythe de cette danseuse que l’on perçoit plutôt comme une femme fatale.

Elle rencontre alors un journaliste, Léon Dujarier avec qui elle vit une passion fulgurante. Mais ce dernier se fait tuer en duel et pour Lola, c’est non seulement un chagrin immense mais aussi une rupture avec Paris. Elle part en Allemagne, a une liaison passionnée mais brève avec Franz Listz. Et de dépit, décide de séduire un prince. L’Allemagne est selon elle le pays idoine. Aussi se rend-elle à Munich et provoque de petits scandales pour être présentée à Louis de Bavière. Elle y parvient et dès que le roi la voit, il tombe amoureux. Elle a 25 ans et lui, 60 ans, c’est un amour platonique où elle l’écoute parler plus qu’elle ne lui parle puisqu’elle ne connaît pas l’allemand.

Le roi est un moderniste, il a une passion pour la Grèce et l’Italie, il aime les arts et les sciences et fait progresser son pays. Il est démocrate et libère la presse. L’Allemagne à cette époque un pays en paix et en pleine prospérité. Mais lorsque Lola se produit sur scène, des huées se mêlent souvent aux applaudissements lorsque le rideau tombe. Le roi est ulcéré devant ce dédain de la beauté parfaite. Aussi, six mois après sa rencontre avec Lola, il change son testament et lui lègue une somme rondelette. Louis l’installe ensuite dans un superbe palais à Munich ce qui déplaît aux Munichois. Ils pensent que Lola a une très mauvaise influence sur le roi.

L’archevêque de Munich se rend chez le roi pour le conseiller de rompre avec le scandale. Le roi l’éconduit. Un jeune homme se rend chez Lola avec un chèque émis sur la banque de Londres qu’il lui remet à condition qu’elle quitte le territoire. Lola déchire le chèque. Le roi mis au courant de ce désintéressement proclame Lola comtesse de Lansfeld, baronne de Rosenthal. Cela provoque une déferlante de protestations. Ministres et fonctionnaires fomentent une révolution dans laquelle la haine de Lola dépasse de loin les revendications politiques. Un jour la foule se presse à la fenêtre de Lola qui ouvre la fenêtre et boit une coupe de champagne à leur santé.

Après une telle scène, on pense que le souverain pourrait s’incliner. Mais il répond en renvoyant ses ministres et en fermant les universités. La réaction ne se fait pas attendre, la révolte se déploie de façon si dangereuse que le souverain doit faire expulser Lola d’Allemagne. Lola se rend alors dans diverses villes et se rend en Angleterre où elle rencontre un certain Trafford qui tombe vite amoureux d’elle et l’épouse. Mais il se lasse très vite des colères de Lola et de son autorité. De plus sa famille apprend que le lieutenant James resté en Inde n’avait jamais demandé le divorce. Si bien que l’on traîne Lola en justice pour bigamie.

Après la mort de Trafford, son accusation tombe. Elle décide alors de refaire sa vie aux Etats-Unis et arrive à San Francisco. Le voyage a été éprouvant mais elle réussit à se produire dans les saloon. Cela marche un temps jusqu’à ce qu’elle décide de se rendre à New-York où on lui conseille d’aller plutôt en Australie. Ne tenant pas compte de sa mauvaise santé, elle se produit à Melbourne où ses spectacles sont appréciés, mais elle tombe malade. Aussi retourne-t’elle aux Etats Unis où sa carrière de danseuse s’achève.

Lola Montès écrit alors un petit livre sur l’art de la beauté. Elle y donne des recettes d’onguents et d’élixir pour la peau et les mains. Certaines pages sont dévolues à l’art de se tenir afin d’être le point de mire de tous. Rien de moins étonnant pour celle qui fut la plus belle femme d’Europe. Mais sa santé se dégrade et à 40 ans, son corps s’use. Elle rencontre alors un jeune pasteur méthodiste qui lui fait comprendre que la vie qu’elle mène n’est pas le bon chemin. Lola décide alors d’abandonner ses biens et consacre ses dernières forces à prêcher la bonne parole aux foules attentives.

Épuisée par ce dernier combat, elle décède d’une hémorragie cérébrale en 1861. Elle n’a que 40 ans.

Lola Montès une femme fatale envoûtante

Véronique Proust

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