Né en 1904, deux ans après la mort de son jeune frère qui s’appelait également Salvador, Dali passe sa jeunesse à Figueres et Cadaquès en Catalogne. Cette région est alors plongée dans le développement économique et industriel où foisonnent les idées modernistes. A l’école, il apprend peu. Mais il se rappelle encore de la photographie de l’Angélus de Millet épinglée sur les murs de sa classe. Il a également une sœur, Ana Maria, qui écrira une biographie de Salvador du temps de son enfance.

En 1920, il annonce à son père qu’il veut être peintre, ce qu’il lui accorde à condition d’aller à l’École des Beaux-Arts de Madrid. Il suit les cours de peinture, sculpture et gravure. Mais il rencontre aussi des camarades qui deviendront de grandes figures intellectuelles telles que Luis Buñuel, Federico Garcia Lorca ou Eugenio Montes. D’abord ouverte aux courants d’avant-garde comme le cubisme, l’oeuvre de Dali va s’orienter vers une nouvelle objectivité sous une forme poétique. C’est à cette époque qu’il crée des êtres biomorphiques à connotation sexuelles.

En effet, Dali est en proie à des obsessions sexuelles et scatologiques mêlées à des peur de castration qu’il partage aussi avec Lorca. Ce magnifique poète est homosexuel et leur amour le terrifie. Quand Lorca voulait me posséder disait Dali, je m’y refusais avec horreur. Mais il partage beaucoup de choses avec le poète y compris la politique. En effet, de tendance anarchiste, il s’oppose à la dictature de Primo Rivera. Pour le sortir de sa relation avec Lorca, Bunuel tourne avec lui le film Un chien andalou qu’il présente à Paris grâce au mécénat des Noailles.

Dali se dit snob et son snobisme lui vient de son enfance. Quand je suis venu à Paris, c’était une véritable obsession de savoir si je serai invité partout où je croyais qu’il fallait être.En 1924, André Breton publie le Manifeste du Surréalisme. Il y propose de s’exprimer en l’absence de tout contrôle exercé par la raison. C’est une révélation pour Dali qui peindra désormais tout ce qui vient à l’esprit. Mais par la peinture, il contrôle ses délires et dévoile ainsi les imperfections du Manifeste. Tournant progressivement le dos à Breton, il met en place une peinture personnelle issue de sa paranoïa critique.

En 1929 il reçoit à Cadaqès Paul Eluard et son épouse Gala. Entre et Dali, c’est le coup de foudre. Eluard rentrera seul à Paris. Désormais il peint Gala qui devient son épouse, sa muse, son agent. Dali peint alors le Grand masturbateur où surgissent toutes ses obsessions : la mort, l’enlacement érotique de deux corps, les insectes et bestioles terrifiantes. Dali a beaucoup lu Freud et adapte à merveille les idées du médecin viennois. Par l’image double, il met en pratique sa paranoïa critique en peignant par association de sujets des formes délirantes.

Salvador Dali, peintre Surréaliste

Outre la mer, le désert, le bleu du ciel, qui rappellent Cadaquès, d’autres formes récurrentes s’invitent dans les toiles de Dali. Tel est le cas de la montre molle où l’artiste convoque le dur et le mou sur le même objet. La montre rappelle le temps révolu mais aussi la rationalité. Seule, la montre gousset qui est peut-être la montre du père, a résisté à la mollesse. Ce père très présent se retrouve aussi dans une autre toile. En effet l’énigme de Guillaume Tell évoque celui dont Freud disait qu’il avait lutté contre le père et fini par le vaincre.

En 1936, Salvador Dali pressent la guerre civile, comme Lorca. Il réalise plusieurs toiles dont la plus convaincante est construction molle. Un gigantesque personnage écrase de ses jambes musclées d’insecte un corps qui gît à terre. Se référant à Goya dans le gigantisme du tyran, il semble soucieux de comparer la guerre civile à une guerre biologique où le visage du monstre a perdu sa propre peau.

Cette même violence se retrouve dans l’Enigme de Hitler qui suscitait chez lui un véritable frisson gustatif d’origine buccale qui me conduisait à une extase wagnérienne. Le téléphone qui rappelle celui d’Hitler au moment des accords de Munich, devientsoudain un objet comestible.

En 1940, à l’arrivée des troupes allemandes à Bordaux, le couple Gala-Dali s’en va vivre à New York et travaille à Hollywood en 1945 avec Hitchcock pour le film La maison du docteur Hewards

A partir de 1949, il entame une peinture « mystique-nucléaire » qu’il décrit dans son livre Manifeste mystique. Au printemps 1950, il rencontre le père Bruno de Jésus Marie qui lui montre un dessin vu selon un point zénithal, qui aurait été réalisé par st Jean de la Croix en état d’extase. Dali va alors utiliser l’illusion d’optique pour réaliser un Christ flottant dans l’espace. Par ce thème, il crée aussi une synthèse entre le Surréalisme et le mysticisme espagnol. Dès lors, ses toiles vont être teintées de néo-mysticisme. Certaines mettent en scène le Christ, la Vierge et le corps de Gala dans un état d’apesanteur cristallin. La toile Assumpta corpusculaire Lapis-lazuline en témoigne.

A partir des années 60, il revient sur le thème de l’Angélus de Millet et s’adonne à des décors de théâtre, des cours métrages. Il crée aussi des illustrations lithographiques de plusieurs livres. C’est le cas par exemple Lettre ouverte à Salvador Dalí, avec trente-trois illustrations de l’artiste lui-même, que publie Albin Michel. En 1974, il illustrera aussi le livre de Sigmund Freud Moïse et le monothéisme. C’est aussi à la même époque qu’il réalise le théâtre musée de Figueres. Les expositions se succèdent à Londres, Paris et Londres. Il meurt à Figueres le 23 janvier 1989.

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Cette conférence évoquera les grandes amours de l’Histoire, de Cléopâtre et Jules César, à Héloïse et Abélard On retrouvera aussi Dante et Béatrice, Henri IV et Gabrielle d’Estrées, Louise de Lavallières et Louis XIV….

L’on découvrira que nos héros historiques et légendaires n’ont pas toujours été heureux en faisant passer l’amour avant tout. Un moyen aussi, de redécouvrir des personnalités de notre histoire et de visiter la France à travers les amours de leurs protagonistes.

Quand les bateaux de Cléopâtre se dirigent vers le sud de l’Italie, chargée d’ors et de présents, l’heure n’est pas à l’amour mais à la diplomatie. Et pourtant, le Grand César tombe sous le charme et Cléopâtre sans doute aussi. Dans ce cadre, l’amour dépasse la politique et la naissance du petit Césarion en témoigne.

Que dire alors d’ Héloïse qui clame autant son amour que son indépendance intellectuelle. Elle défend son indépendance intellectuelle tout en acceptant par amour pour Abélard, de prendre un voile qu’elle n’avait pas choisi. A la fin, les deux amants terminent leur vie dans l’abbaye du Paraclet et s’en défendent en inventant l’amour éternel et platonique.

 Plus tard les maîtresses royales aparaissent comme des proies politiques pour amuser le roi et le détendre quand il a des solutions graves à régler. La la Vallière, la Montespan et la Pompadour en ont fait les frais. Mais certaines maîtresses sont devenues des épouses bis en acceptant de vivre dans l’anonymat. Une seule a réussi à vivre au grand jour: madame de Maintenon.

Au XIXe siècle, ce sont les muses qui dominent. A commencer par la muse russe Eve Hanska qui dominera la création de Balzac. On trouve ensuite Camille Claudel qui sacrifiera sans doute une partie de son art pour Rodin. A Montparnasse dans les années 20, Kiki influence Man Ray et en fait le photographe qu’il deviendra plus tard….On retrouvera aussi Gala et Dali et bien d’autre amoureux célèbres…

Les grandes amours de l’histoire conférence

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L’enfance de Lorca se passe à Grenade. Il la raconte à travers des textes émouvants sur sa maison et la colline de l’Albacin dans un Impressions et Paysages en 1918. A cette époque l’Andalousie et d’autres régions d’Espagne vivent très mal la décolonisation du Maroc. Par ailleurs, elle n’accepte et la perte du pouvoir espagnol dans ce pays. A ceci s’ajoute une crise économique qui provoque de multiples insurrections. Pour remédier à ce vent de révolte, le dictateur Primo de Ribera s’appuie par Franco qui finira par prendre le pouvoir. Le général s’est aussi appuyé sur ses « phalanges » militaires qui viennent pour la plus part de l’ancienne armée d’Afrique. Ce sont elles qui conquiereront le pays dans le sang en poursuivant les Républicains.

Garcia Lorca ressent plus que tous ces turbulences. Aussi, à la suite de Machado, Valle-Inclan, Asorin, il invente une nouvelle forme d’expression: l’ultraïsme. C’est une façon d’exprimer les choses douloureuses par métaphores fortes et visionnaires. Et ces dernières rendent parfois ses poèmes opaques et sublimes à la fois. Pour comprendre son époque, Lorca analyse l’esprit d’indépendance du gitan qu’il assimile à la force vive de l’Espagne. Car les Gitans symbolisent la marginalité, telles que les idées anarchistes ou républicaines, l’homosexualité, la littérature libertaire…

Ce parti-pris le dessert car on range l’œuvre du poète comme une défense de la « gitanerie » folklorique. On ne regarde pas le sens profond de son cri.

En même temps, Lorca fréquente tout ce que l’on fait de mieux dans la modernité, celle de Falla ou Dali mais il n’y rentre jamais tout-à-fait.

A partir de 1931, Lorca prend la tête de la Barraca, roulotte d’étudiants et artistes présentant de ville en ville des pièces de théâtre. L’affaire est osée car les Espagnols ne sont pas cultivés à cette époque, et le poète veut rendre au peuple sa propre culture telle une mission. C’est dans ce cadre qu’il écrit ses plus belles pièces telles que Noces de Sang ou la Casa Bernarda.

A travers sa biographie illustrée et le lecture de ses poèmes et textes, nous mettrons en lumière ce poète et écrivain que l’on croit connaître. Nous tenterons aussi de faire le point sur son assassinat et ce que l’on sait aujourd’hui de sa dépouille.

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Federico Garcia Lorca conférence littéraire. Renseignements 01 42 80 01 54

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LA GALERIE DE L’EFFORT MODERNE

Léonce Rosenberg, fils d’Alexandre et frère de Paul, était un galeriste et collectionneur. Il fit connaître dans les années 1915 le travail des Cubistes de la Seconde génération. Ainsi, la galerie ouverte au 19 rue de la Sainte Baume présenta pour la première fois le travail d’Auguste Herbin en mars 1918. Suivirent des expositions individuelles de Picasso, Laurens, Léger et Gris. Cette fameuse galerie du 19 rue de la Sainte Baume prit alors le nom de Galerie de l’Effort Moderne.

Pour autant, certains artistes s’étaient méfié de Léonce, depuis sa présence dans la galerie Kahnweiler qui l’avait formé en tant que marchand. En effet, lorsque Kahnweiler fut destitué de tous ses biens en 1914 du fait de sa nationalité allemande, Léonce se chargea d’estimer les toiles de son maître destinées à la vente.

Cela n’empêcha pas Léonce de garder des liens et contrats qu’il prolongea après guerre avec Lipchitz, Braque ou Metzinger.

Fort de son succès, Léonce planifia des expositions en dehors de l’Europe. Ces dernières eurent lieu avec succès et se planifièrent de façon plus ou moins régulière au cours des années suivantes.

Léonce acquit une Femme en rouge et vert en 1914 et l’exposa dans sa galerie. Puis il acquit un appartement dont il confia la décoration à plusieurs peintres post-cubistes et Surréalistes.

En 1924, il dévoile dans un article sa conception de « l’éditeur d’art ». Il s’agit d’un mécène qui collectionne des œuvres d’art et qui soutient les peintres de façon infaillible. Sévérini critiqua cette posture du « en même temps » qui brouillait les pistes relationnelles avec les artistes. En effet, ces derniers peignaient pour des commandes passées qui n’étaient pas destinées à la vente mais à la seule « consommation » du mécène. Cela n’empêche pas Léonce de vendre des toiles à l’étranger. En effet, il fit souvent valoir aux artistes sa formation linguistique et commerciale en Angleterre et aux Pays-Bas comme preuve de sa force commerciale.

Ainsi, Léonce est bien différent de son frère Paul. En effet ce dernier est un homme pragmatique essentiellement marchand qui trouve une œuvre belle lorsqu’il la vend. Léonce, lui, cultive une stratégie de l’image qu’il nomme « éditeur d’art ». Cela lui permet de rationaliser la production artistique ce qui n’est pas sans irriter les peintres. Ainsi Picasso dans les costumes de Parade il dessine la silhouette du « manager de Paris » en la calant sur celle de Léonce Rosenberg. Pour autant, les artistes reconnaissent que sans Léonce leur art aurait mis plus de temps à accéder à la notoriété.

LEONCE ROSENBERG ET FERNAND LEGER

Fernand Léger partageait avec Léonce Rosenberg un goût certain pour la corrélation entre l’architecture et la décoration. Fernand Léger avait déjà révolutionné le genre pictural de la Nature morte. Mais au 75 rue de Longchamp, il s’essaie sur des compositions expérimentales qui dépassent le format de chevalet. Ainsi, dans les Quatre saisons accrochées dans l’entrée de l’appartement, il rompt avec les poncifs du cubisme en développant le répertoire architectural des formes. Léonce a commandé ses toiles non pas pour les vendre dans sa galerie mais pour les supendre dans son entrée et donner le ton de son appartement-musée.

Rosenberg propose à Léger de ne pas faire le « portrait » des dites saisons, mais plutôt d’en décliner les traits essentiels tels que la grappe de raisin ou la gerbe de blé. Directif comme à son habitude, Rosenberg révèle toutefois au peintre les tendances picturales qu’il a décelées lors de ses dernières œuvres. Fernand Léger développe des compositions colorées basées sur des formes abstraites liées par des rubans ou des cercles. Léonce est ravi mais trouve que les vides au-dessus des portes le gênent. Aussi commande-t’il d’autres toiles plus petites, compositions abstraites si possible de format horizontal. Ce sera les dernières toiles que Léger réalisera pour Léonce Rosenberg.

ERVAND KOTCHAR ET L’ENGAGEMENT

Les relations entre Léonce Rosenberg et Ervand Kotchar n’ont pas toujours été sereines. Là encore, le peintre a été reconnu dans les années 30 parce qu’il avait participé au décor de l’appartement de Léonce Rosenberg. Mais il faisait déjà parti des Monparnos et de l’école de Paris en 1923. En effet, ce peintre arménien né en Géorgie en 1899 s’installa à Paris entre 1923 et 1930 et expose auprès de Fernand Léger, Miro, Brancusi et Picasso. Son art est proche du cubisme, mais ses touches fractionnées rappellent certaines œuvres du futurisme. Le dessin très souple et très réaliste reflète aussi sa compréhension de l’art de Dali.

En 1936, il signe le Manifeste du Dimensionisme, avec Calder, Joan Miró, Jean Arp et Marcel Duchamp. Mais il repart vite à Erevan où il est poursuivi pour campagne anti-soviétique.

De ce fait, nous n’avons aucune preuve de sa présence à l’inauguration de l’appartement de Léonce Rosenberg . L’exposition présente une oeuvre de ce peintre oublié aujourd’hui. Elle n’a pas appartenu à Léonce Rosenberg mais la pièce présentée est emblématique du style de Kotchka. Visiblement, un litige oppose le peintre et son marchand. En effet Kotchka presse Léonce Rosenberg de lui payer ses toiles. Mais le marchand qui garde des idées assez conservatrices, s’irrite de l’engagement politique et artistique de Kotchka. Ce qui fait écrire à Léonce Rosenberg en 1929: Cher Monsieur Kotchka. Deux mots seulement pour vous recommander de ne commettre… aucune faute politique que vous pourriez regretter par la suite..

Il lui explique ensuite que si Picabia, Picasso ou d’autres cherchent à « suggérer » l’espace, lui, cherche à le décrire. Lorsque Kotchka signe un manifeste artistique plus personnel et demande à Rosenberg de signer. Mais Léonce lui répond: En acquérant de vos œuvres…J’ai moralement signé votre manifeste.

Rappelons que nous sommes dans les années 1936, années chargées d’évènements qui obligent les artistes et intellectuels à s’engager ou non. En France, le Front Populaire attise en 1936 les milieux ouvriers. André Gide revient de Russie en 1936 et écrit Retour d’URSS un manuscrit qui se révolte contre le nouveau régime. Picasso peint Guernica en 1937 pour dénoncer la terreur militaire des Nazis en Espagne. Les manifestes intellectuels et artistiques fusent de partout mais la prudence reste de mise, chez les investisseurs et mécènes.

Véronique Proust

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