Paul Signac est né à Paris en 1863 dans une famille de commerçants prospère. A 16 ans, il visite une exposition de toiles de Claude Monet, Pissaro et Gauguin . Il découvre alors sa voie et décide de devenir peintre. Ses premières toiles sont d’emblée impressionnistes. En effet, ce sont des paysages de plein air réalisés par petites touches subtiles de couleur sur les hauteurs de Montmartre.

Puis il rencontre Georges Seurat maître du Le pointillisme au premier salon des indépendants. Ensemble, ils se passionnent les théories de Chevreul et le principe de la division des tons. En effet, Signac rencontre ce chimiste, théoricien de la couleur en 1884. Ce dernier l’initie à l’étude de l’impact du cercle chromatique sur le rapport entre les couleurs complémentaires et les couleurs primaires. De ce fait, Seurat et Signac en déduisent que si l’on oppose le violet, complémentaire du jaune, on obtient des contrastes forts.

Signac travaille avec Seurat à saint-Briac en 1890 et réalise une série de « Marines » où il représente le même lieux sous différents aspects. Ses lignes très équilibrées , mesurées et harmonieuses. Pour composer ses tableaux, il ne mélange la peinture ni sur sa toile ni sur sa palette. Il juxtapose simplement les couleurs pures les unes à côté des autres.

Avec Pissaro et Seurat, Paul Signac va créer un groupe dit « des impressionnistes scientifiques » que l’on nommera pointillisme. Il travaille avec Seurat mais ses couleurs sont plus lumineuses. Mais la mort de Seurat en 1891 l’affecte particulièrement. En effet il perd non seulement un ami mais aussi un maître à penser. Désormais il continue seul sur la voie du maître des pointillistes. En 1892, Signac découvre saint-Tropez et se concentre essentiellement sur la mer et les voiliers.

Les toiles représentant la ville et ses alentours sont si nombreuses qu’elles vont contribuer à la notoriété de la ville. Et ce, bien avant la fréquentation des stars.

Paul Signac est aussi un marin averti. En effet, il voyage à bord d’un petit bateau dans tous les ports de France, de Hollande et de Méditerranée. Il apprend d’abord la peinture des voiliers sur les eaux sur les bords de Sein. Et très rapidement il prend l’habitude de passer la saison d’été au bord de la mer. Il peint de grandes marines l’été. L’hiver, il peint des scènes naturalistes plutôt parisiennes.

Ses toiles sont souvent critiquées car on les juge trop scientifiques. Il s’en défend largement dans un livre d’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme. En effet, il y expose ses théories en disant notamment que la science n’est qu’un outil pour l’artiste. Signac est théoricien de l’art qui a aussi des opinions politiques. Comme Pissaro, il est attiré par les idées anarchistes qu’il partage également avec Felix Fénéon. Dans ce contexte, la Première Guerre Mondiale l’affectera beaucoup.

En 1913 à l’âge de 50 ans, il quitte son épouse Berthe et s’installe à Antibes. L0 il continue à peindre de belles vues de ports et de voiliers. Il rencontre sa seconde épouse qui lui donnera une fille en 1915. Il peint de moins en moins de grandes compositions à l’huile et se concentre sur l’aquarelle. Mais il restera fidèle à la peinture puisqu’il retravaillera ses aquarelles à l’huile dans son atelier.

En 1930 il quitte le Midi pour s’installer dans le Cotentin, à Barfleur. Il meurt en 1935 à l’âge de 71 ans.

Paul Signac maître du pointillisme.

Véronique Proust

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Dès la Préhistoire, l’homme a représenté le soleil sous toutes les formes, gravures sur pierre, installations mégalithiques, gravures ou peintures. Mais il ne l’a pas toujours fait pour les mêmes raisons. Sous la Préhistoire et l’Antiquité, sa représentation est clairement religieuse. En effet, le soleil est celui qui apporte l’équilibre agricole propre à faire pousser les céréales. L’exemple le plus flagrant est en Égypte. En effet le culte du soleil surnommé Rê prend une ampleur immense aussi bien dans les cérémonies que dans sa représentation.

Toujours en Égypte, le soleil est un cercle parfait de couleur orangée qui surmonte la tête d’Horus. En Mésopotamie, le dieu soleil Shamash est associé à la justice. En effet, il expose en pleine lumière le mal et l’injustice. Enfin, en Inde, c’est le dieu Mitra qui symbolisait la perfection de la lumière solaire. Les Mayas aussi adoraient le soleil et l’observaient soigneusement. Dans le taoïsme, le soleil est le principe masculin qui s’oppose à la lune, principe féminin. En Grèce le dieu Hélios fendait le ciel d’est en ouest sur son char, comme le prophète Elie dans le monde chrétien.

Et par la suite, la doctrine chrétienne s’est approprié le symbole de la lumière cosmique faisant du Christ le « soleil véritable » ou « le soleil de justice ». Ainsi dans les tympans romans et gothiques, le Christ en croix est figuré entre la lune et le soleil.

Par la suite et toujours dans la tradition chrétienne, les rayons du soleil sont associés à la lumière divine. Ainsi, le Christ monte au ciel dans une lumière solaire. Puis l’Esprit Saint arrive sur la tête des apôtres par des rayons lumineux. Enfin, au XVIIe siècle, Louis XIV prend la devise « au-dessus du reste des hommes ». Ainsi, il est l’étoile centrale autour de laquelle gravitent les autres planètes. Il est « le Roi Soleil ».

Lorsque les artistes vont peindre tout autre chose que des sujets religieux, ils vont s’intéresser au rôle de la lumière dans la définition des formes. Claude Gelée le Lorrain peindra des levers et couchers de soleil afin de représenter les vibrations des changements d’atmosphère. Dans sa toile Port de mer au soleil couchant, les personnages du premier plan ainsi que les coque des navires sont en contre-jour.

Mais ce parti pris pictural ne sert rien d’autre que le sujet principal du tableau: le soleil. A partir de là, les peintres oseront regarder le soleil en face. C’est le cas au XIXe siècle de Turner. En effet, l’artiste britannique s’intéressera surtout à l’effet météorologique et aux lumières atmosphériques qu’il génère.

En France, Pissaro peints les effets du soleil sur les champs. Dans soleil couchant à Eragny il montre à la perfection les effets de la lumière rasante sur la campagne. Ces rayons lumineux du soleil s’invitent dans les arbres fruitiers et les peupliers. Son passage dans le groupe des néo-impressionnistes de Seurat lui a permis de se familiariser avec le pointillisme. Ainsi de petits points colorés dessinent le halo de lumière qui entoure le soleil.

Par ailleurs, Monet parti à Londres en 1870, découvre les toiles de Turner qui le fascinent. Dès lors, il étudiera les effets de la lumière du soleil sur les contours de ses sujets, les ports, les meules, les cours d’eau. Mais sa fascination pour le soleil atteindra son paroxysme dans Impression soleil levant. Là, il peint le soleil levant, tel un disque incandescent et ses reflets sur l’eau d’un port noyé dans la brume. Signac, de son côté, reprendra l’effet de contre-jour utilisé par Claude Gelée pour peindre le contour d’une voile de bateau, irradiée par la lumière du soleil.

Face au soleil, un astre dans les arts. Visite de l’ exposition au musée Marmottan du 14 septembre 2022 au 29 janvier 2023. Renseignements au 01 42 80 01 54

Véronique Proust

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Lorsque Van Gogh désespère sur sa peinture, il écrit à son frère Théo. Ce dernier l’encourage vivement à lui envoyer des toile toiles qu’il présenterait dans la capitale française car le public est libre et éclectique. En effet, le puritanisme hollandais de cette époque ne s’ouvre pas à la modernité et les artistes se tournent vers Paris.

Le premier peintre à venir en France est un romantique…Ary Scheffer. Il s’installe dans la Nouvelle Athènes, quartier romantique de Paris. Mais il contribue aussi à faire venir des artistes hollandais demeurés dans l’oubli dans leur terre natale. Jongking vient ensuite en Normandie, attiré par les nuages changeants de la Normandie. Issu d’une nation rouée aux mystères du paysage, il introduit au Havre un style nouveau qu’il communique à Monet. En effet, ce dernier fera de cette découverte un style particulier qui aboutira à l’impressionnisme. Le suivent bientôt Isaac Israëls et Breitner.

Les peintres hollandais à Paris au XIXe siècle

Si ces artistes semblaient faire de la capitale française un lieu de formation, ils se laissèrent cependant tenter par son charme et ne retournèrent pas de suite au pays. Certains s’installèrent définitivement à Paris. Ary Scheffer demeura à la Nouvelle Athènes, en portraiturant les grands noms du romantisme.

Par la suite Vincent van Gogh sera suivi par Van Dongen , figure emblématique de Montparnasse et plus tard, Mondrian.

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Il y a cependant une différence entre Chtchoukine et Morozov. En effet, le premier achète des toiles à Paris pour constituer un musée capable d’éduquer une nouvelle génération d’artistes russes. Ainsi, Larionov et Gontcharova ont découvert la modernité dans les galeries de Chtchoukine. Tandis que Morozov achète des toiles françaises mais aussi des toiles d’artistes russes qu’il réunit dans une galerie ouverte à tous et gratuitement.

Dans les années 1910, Moscou est resté le centre religieux, mais devient aussi une grande ville industrielle dans laquelle la filature a toute sa place. Et les Morozov étaient de loin la dynastie marchande la plus fameuse. Mais comme tous ces grands industriels pieux, le rôle de la charité est fondamental. Mais il la mette la plupart du temps au profit de la culture. Ainsi ces grandes famille s’ouvrent des bibliothèques gratuites, soutiennent l’opéra, ouvrent des hôpitaux. Sans eux, les ballets de Serge Diaghilev n’auraient pas vu le jour.

Celui qui va donner une grande impulsion à la fortune familiale est Abram. En effet, il a su saisir la modernité technologique pour mécaniser ses ateliers. Avec son épouse Varvara, ils ont trois fils. Le premier Mikhaïl hérite de la société paternelle mais il ne s’y intéresse guère. Yvan le cadet est plus réservé, il est aussi l’espoir de la famille. En effet, on l’envoie àZurich pour faire l’école Polytechnique et se spécialiser dans la chimie. Cette dernière est en effet au cœur de l’excellence de la filature. Tout en suivant ses études, Yvan dessine déjà et se passionne pour le paysage.

 Le dernier, Arseni est tout autant artiste. Mais il est plus excentrique. En effet il se fera construire au milieu d’un quartier traditionnel de Moscou un palais gothique, décoré à l’intérieur dans un style Art Nouveau.

Malgré les activités philantropique au service des ouvriers de Varvara, les ouvriers font souvent grève. La grande grève de 1905 déstabilise l’entreprise. Mais elle déçoit aussi Yvan qui cherche refuge dans la peinture. Chaque année il se rend deux fois à Paris. Il visite les galeries de  à qui il achète d’abord des toiles impressionnistes. Ainsi il acquiert un Paysage  de Pissaro et une gelée à Louveciennes de Sisley. Enfin il acquiert le portrait de Jeanne Samary de Renoir. En même temps, il acquiert des toiles de peintre russe. C’est ainsi que l’arc-en-ciel  du peintre Somov et le Boulevard des Capucines  de Korovine entrent dans sa collection Durand-Ruel.

Il fait la connaissance d’Eudoxie Kladofchikova née en 1885 et morte en 1959. Il s’agissait d’une choriste rencontrée dans une boite de nuit populaire de Moscou. Après 3 ans de liaison cachée avec cette jeune femme, il finira par l’épouser 4 ans après l’avoir rencontré et ils auront une fille unique. Quant à leur fille, appelée également Eudoxie, elle est née en 1903 et morte en 1974. Les héritiers légitimes dépossédés de leur collection sont les enfants de son fils, Yvan.

A Paris, Morozov fait la connaissance de Denys Cochin qui lui montre els décors de son hôtel, de Maurice Denis. Aussitôt, Morozov contacte l’artiste et lui demande un décor pour son salon. Il lui laisse carte blanche pour le thème. C’est ainsi que l’hôtel de Morozov possède un salon peint par Maurice Denis. Mais l’escalier de son hôtel est aussi décoré de peintures de Bonnard.

Valentin Serov devient à Moscou le portraitiste incontournable de l’intelligentzia russe. Artiste talentueux, il adapte un style différent à chaque portrait. Ainsi, pour Morozov, il le met en valeur devant l’un des tableaux phare de sa collection, une nature morte de Matisse. Morozov est présenté frontalement, le regard droit vers celui du spectateur. Le portrait est saisissant. On sent l’homme déterminé du chef d’entreprise, qui garde cependant un regard bienveillant sur le monde des arts.

Après sa rencontre avec Vollard, il acquiert d’autre Gauguin , et une montagne sainte Victoire de Cézanne. Tout en restant fidèle à l’impressionnisme (Pissaro vue de Eragny), il se lance dans l’acquisition d’un Picasso. Ainsi la femme à l’éventail entre dans sa collection.

La déclaration de guerre en 1914 apparaît comme une aubaine pour Morozov. En effet, l’armée commande près de 5 millions de mètres de draps pour les soldats. Ses bénéfices sont énormes. Près de 18 000 personnes travaillent dans la manufacture. Quant à sa belle sœur Margarita, l’épouse de Mickaël, elle ouvre un hôpital dans son hôtel particulier.

A la première exposition de Chagall, Morozov, en acquiert aussitôt. Il sera le premier collectionneur du peintre russe.

Mais dès 1918, on prie les collectionneurs de rester dans leur hôtel et d’ouvrir obligatoirement leur collection. La manufacture Morozov est nationalisée. Le 15 juillet, le tsar est assassiné. Chtchoukine arrive à partir avec son fils. Morozov en fait de même avec sa femme et sa fille et se rendent à Carlsbad. En juillet 1922, Morozov meurt brutalement d’un infarctus du myocarde à l’âge de 49 ans.

La collection Morozov

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En 1860, la peinture académique domine dans les Salons de peinture. On voit surtout des peintures dans le style de Bougereau ou de Carolus Durand où le dessin domine. Mais la technique académique ainsi que ses sujets ne suffisent plus à une nouvelle génération de peintres représentés par Manet. Le scandale du « Déjeuner sur l’herbe », que le jury fait décrocher des cimaises est à l’origine du Salon des Refusés. Dès lors, les peintres tels que Monet, Degas, Renoir et Pissaro n’exposent plus que dans ce Salon.

La peinture impressionniste a ses précurseurs. Ce sont les peintres de l’école de Barbizon, puis Turner. Ce dernier s’attache à peindre la brume londonienne, en s’intéressant presque exclusivement à l’atmosphère. Puis ce sont Joncking et Boudin qui s’intéresse à la fumée des bateau, au vent dans les drapeaux des plages.

Les impressionnismes privilégient les thèmes du monde contemporain, comme les rues de Paris (Caillebotte et Pissaro). Ils aiment aussi parler du monde qui change ou de la machine (Monet: « la Gare saint Lazare »). Comme Hokusaï l’a longtemps fait avec ses « vues du Mont Fuji », Monet multiplie les séries (la cathédrale de Rouen, les Meules). D’autres enfin s’intéressent à l’ambiance des saisons (Pissaro et Sisley).

Les théories de Chevreul sur la couleur les amènent aussi à peindre ajouter à leurs couleurs de base sa couleur complémentaire. Si bien que le cercles chromatique se développent en petites touches divisionnistes. Les peintres ne mélangent plus leur couleur sur la palette mais directement sur la toile.

Progressivement, les peintres privilégieront les scènes de canotage à Argenteuil ou les vues de Pontoise. Monet achètera une maison à Vétheuil et peindra des coquelicots. Ces vues de champs de fleurs annoncent les grandes toiles de Giverny….

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Les Chtchoukine forment d’abord une dynastie. Le grand-père Sergueï Ivanovitch Chtchoukine quitte le vieux village de Borosk. Il vient, après les campagnes napoléoniennes, tenter sa chance à Moscou. Son fils, Yvan, crée une importante firme de textile à une époque de pleine expansion industrielle en Russie. Il épouse Ekaterina Petrovna Botkine, issue d’une dynastie de marchands de thé. Cette dernière donnera à la Russie nombre d’artistes et de fonctionnaires.

Le couple a 4 fils, et Yvan, dans un soucis dynastique, fait donner à chacun une solide éducation tournée vers le négoce. Sergueï, notre collectionneur, né en 1854, est atteint de bégaiement et échappe à cette éducation. Il est soigné en Allemagne.

Lorsqu’il revient en Russie, il s’avère être le plus doué des 4 pour reprendre l’affaire paternelle. Aussi le désigne-t’on à la mort du père en 1890, pour lui succéder. Entre temps, ses frères ont eu le temps de prendre les rennes d’autres affaires. Par ailleurs, l’influence de leur oncle collectionneur et de l’associé de leur père  les incline à collectionner de leur côté. C’est le cas de Piotr, un des frères de Sergueï, qui rassemble une collection d’antiquités de toute sorte. Elle comprend des bronzes et des tapis d’Orient.

Sergueï épouse en 1884 Lydia Grigorievna Koreneva dont la famille a fait fortune dans les mines du Donbass en Ukraine. Le couple donne naissance à trois fils et une fille. Pendant ce temps, Sergueï fait prospérer la firme avec un grand sens des affaires . On sent aussi chez lui un sens affiné des tendances artistiques de son temps. Voyageant en Asie centrale et en Inde, il choisit les motifs et les teintures. Puis il s’intéresse particulièrement aux nouveautés des arts décoratifs.

Pendant ce temps son frère Piotr augmente sa collection d’antiques, qu’il léguera plus tard au musée historique de Moscou, et son autre frère Yvan, s’installe à Paris. Il y reçoit des artistes français et fréquente la galerie Durand-Ruel. C’est lui qui présente Sergueï aux galeristes parisiens et avec qui il achète une toile de Pissaro pour commencer. Puis il diversifie sa collection.

Sergueï a une idée très précise, celle de créer un musée d’art moderne. Il reçoit la formation de Vollard et Durand-Ruel, mais aussi par Léo et Gertrude Stein. En effet il admire leur salon et leur collection. Et il achète des œuvres choquantes mais pertinentes, et fait montre d’une attention exceptionnelle.

De 1898 à 1908, il achète 13 Monet , 8 Cézanne, 16 Gauguin. Son père, très satisfait de la réussite de son fils, lui avait donné le palais Troubetskoï dans lequel il recevait beaucoup et faisait visiter sa collection à quelques amis triés sur le volet.

Mais le destin le frappe et cet homme qui n’avait jamais été confronté au malheur va l’être brutalement. En l’espace de 5 ans, il perd son dernier fils, noyé dans des conditions mystérieuses et retrouvé quelques mois plus tard seulement après la décrue de la Moscowa. Son épouse adorée ne s’en remet pas et meurt l’année suivante d’un cancer foudroyant. Ce qui désespère un autre de ses fils qui se suicide peu de temps après.

Sergueï part alors faire une retraite dans le désert, au monastère saint Catherine du Sinaï et écrit un carnet de voyage, seul témoignage écrit que nous possédons de lui.

Quelques mois plus tard, il est à Paris, rend visite aux Stein et découvre chez eux le tableau de Matisse »Luxe, calme et volupté ». Au fond de la toile, on aperçoit une farandole qui fascine Chtchoukine. Il  demande alors au peintre d’agrandir cette scène sur une toile plus grande, qu’il mettrait à Moscou, dans l’escalier de son palais. Mais le collectionneur doit renoncer à cette toile qui présente trop de nus. Sa collection qui est désormais ouverte au public un jour par semaine est fréquentée par les futurs peintres russes mais aussi par des jeunes filles et des jeunes collégiens venus pour apprendre à dessiner.

En 1914, il rencontre une jeune pianiste divorcée de quarante ans, Nadejda Affanassievna Mirotvorseva qui lui apporte la joie et la sérénité. En 1915, leur naît une petite Irène. Mais en 1918, la famille du tsar est tuée et les Bolchéviques prennent le pouvoir. Sergueï met son épouse et sa fille à l’abri et les envoie en France. Puis avec son fils Yvan, il profite d’un train qui part en Ukraine en 1918, pour les rejoindre à Nice puis à Paris. Pendant ce temps sa collection est tombée dans l’escarcelle de l’Etat soviétique. La fille de Sergueï, Catherine, est nommée avec son mari, le comte Keller, responsabe de la collection, mais le couple ne reste pas longtemps et profitent du passeport Lettonien du comte pour s’enfuir en 1922.

La collection est fusionnée avec celle d’Yvan Morozov réunie dans le musée d’Etat d’art occidental moderne. En 1923, Sergueï Chtchoukine modifiait son testament et léguait son musée à la Ville de Moscou. Il termina ses jours dans son appartement d’Auteuil entouré de quelques toiles de Raoul Dufy ou Henri le Fauconnier et y mourut en 1936.

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