Caroline Bonaparte naît en 1782. Elle était la plus jolie de la fratrie et sans doute la plus intelligente. Décidée, délurée, presque envahissante, elle s’adapta très vite au train de vie que lui offrait son frère et qui lui convenait parfaitement. C’est au cours d’un bal qu’elle rencontre Joachim Murat qui la séduit par sa prestance. Mais elle est envoyée chez Madame Campan chargée de l’éducation de tous les princes de France. Mais elle obéit sans cœur et devient une bien piteuse élève.

En effet, on lui oppose la jeune Hortense de Beauharnais qui, elle, réussit tout, peint et chante à merveille. Si bien qu’elle finit par nourrir vis-à-vis d’elle la plus grande antipathie qu’il se doit. Or dans la nuit du 18 Brumaire, elle apprit que son frère avait fait un coup d’Etat, aidé par le galant Murat qui fait figure de héros. Dès lors, elle n’aura de cesse que d’assurer son mariage avec lui. Ca n’est pas le projet de Napoléon qui souhaite la marier à Moreau. Mais l’intervention de Joséphine fera changer l’avis de l’empereur et on célébrera le mariage en 1800.

Dans le contrat, Murat déclare avoir 12 000 francs et Caroline reçoit 40 000 francs de son frère. Le couple s’installe dans l’hôtel de Thelusson rue de Provence. Mais il possède aussi une propriété à Neuilly. Là, Caroline reçoit une cour assez brillante à l’image de son ambition. Mais à l’avènement de l’Empire, on stipule que les héritiers directs de Napoléon seront Joseph ou Louis Bonaparte. Caroline exulte et s’évanouit à cette annonce devant l’empereur. Ce dernier s’attendrit et déclare alors que ses sœurs porteront le titre d’altesse impériale.

Dès lors Caroline se sent égale aux Beauharnais, voire supérieure. Sa jalousie est extrême, surtout quand sa sœur Elisa devient princesse de Luques. Napoléon qui apprécie son énergie et son intelligence toute familiale la fait grande duchesse de Berg. Mais Caroline n’aime pas le bas-Rhin et considère que si Napoléon disparaît lors de la campagne de Pologne, son mari pourrait être un très bon successeur. Pendant ce temps, Murat qui combattait en Espagne, rêvait de la couronne ibérique. Mais c’est Joseph qui la reçut.

Que de déceptions pour ce couple ambitieux !

C’est que Napoléon, Talleyrand et surtout Fouché savent bien que le couple est prêt à tout complot. Ainsi l’empereur le nomma roi de Naples pour l’éloigner de Paris, en lui signifiant que cette couronne appartenait aussi à sa femme. Caroline règne alors en mêlant habilement l’amour et la politique. Elle devient ainsi maîtresse de Metternich qui lui donne des renseignements sur l’Autriche en échange d’informations sur l’Empereur. Puis elle est la maîtresse de la Vauguyon, aide de camp de son époux qui du reste, ne partage plus son lit napolitain.

Caroline intrigue constamment et son mari la surveille constamment et finit par la séquestrer. Mais Caroline a toujours l’oreille de Napoléon qui la prie en 1811 d’être la marraine du Roi de Rome. Pour autant, les Napolitains rêvent d’indépendance et promettent la couronne à Murat qui prend des mesures hostiles aux Français. Caroline au courant de ce revirement apprend également qu’à Paris la police de Fouché vient d’arrêter le chambellan de Murat. Des lettres découvertes dévoilent un chapelet de scandales que l’envoi de Murat sur la campagne de Russie arrive à contenir. Alors Caroline règne seule enfin à Naples, ce qui affole son époux. Aussi ce dernier abandonne les troupes françaises de Russie pour revenir dans son royaume en vainqueur.

Le désastre de Russie et la trahison ébauchée de Murat prend forme. En effet, conscient de la fragilité de l’empereur il entame des négociations secrètes avec l’Autriche et l’Angleterre. Puis il s’empare de l’Italie alors en pleine émeute mais il est battu. Caroline de son côté, tente de négocier avec les Anglais. Mais à la défaite de l’empereur en 1815, elle capitule et les Anglais l’emmènent à Trieste. Au même moment, Murat tombait sous les balles du Calabrais au Pizzo.

Caroline reste en résidence surveillée dont on la libère qu’à la mort de Napoléon. Elle mourra à Florence en 1839 des suites d’un cancer du foie.

Caroline Murat princesse ambitieuse

Véronique Proust

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Rosalba Carriera naît à Chiogga en 1673. Son père est fonctionnaire et sa mère est brodeuse. C’est elle qui initiera ses trois filles dont Rosalba, au métier de la broderie. Toutes trois possèdent une solide culture de l’Antiquité mais aussi de la musique et de la poésie. Elles deviendront toutes les trois artistes. Selon Mariette, Rosalba se met à la peinture à la suite de sa rencontre avec le peintre Jean Steve. Elle décore alors des tabatières dont raffolent les voyageurs étrangers présents à Venise.

En 1703, elle entre dans l’atelier de Giuseppe Diamantini et apprend la technique du pastel. Elle se familiarise sans difficultés avec cet art. Son dessin est sûr, rapide et souple, ses matières sont veloutées et légères. De plus, elle a un talent fou à capter la psychologie du modèle. Si bien que dans cette ville cosmopolite qu’est Venise, sa réputation grandit de jour en jour et gagne ensuite toute l’Europe.

Ainsi, dès 1709, elle reçoit plusieurs commandes dont la plus spectaculaire est celle du roi du Danemark en 1709, qui lui commande 12 miniatures. En 1715, le chancelier Crozat lui rend visite et lui propose de se rendre à Paris. Mais elle reste encore en Italie et entre à l’Académie saint Luc de Bologne puis à celle de Rome.

En 1720, lorsqu’elle arrive à Paris, sa réputation n’est plus à faire. Et elle devient la portraitiste à la mode dans une capitale qui ne connaît pas bien l’art du pastel. Elle rencontre les peintres Quentin de la Tour , qui l’admire, ainsi que Antoine Watteau . Elle lance la mode des portraits au pastel dans laquelle elle excelle. Si bien que son ami Antoine Coypel la fait élire à l’Académie Royale de peinture en 1720. Elle y restera 37 ans.

Elle réside alors chez Crozat et rencontre le Tout Paris qu’elle enchante en jouant aussi du violon. De ce fait elle est introduite auprès de la Cour et réalise le portrait du dauphin futur Louis XV âgé de 10 ans. Suivent une série de nombreux portraits de dames de la Cour. Elle est même accablée de commandes et fait des jaloux chez les clients qu’elle ne peut satisfaire. Elle est aussi appelée dans d’autres cours d’Europe. En effet, en 1723, elle est à Modène pour réaliser les portraits de la famille d’Este. En 1730, elle part à Vienne pour réaliser le portrait de l’impératrice Amélie et celui de Marie Thérèse .

La grâce de son style et les effets vaporeux des carnations sont à l’opposé des effets de la peinture à l’huile. Ce qui est sans doute la raison de son immense succès. Par ailleurs l’acuité psychologique de ses portraits, teintée de distinction et de grâce convient tout à fait au goût de son temps. Son style est si talentueux que ses contemporains l’admirent et n’ont aucune amertume face à son succès. Rigaud lui fait cadeau d’un recueil de portraits. Le pastelliste Vivien, Charles de La Fosse, les peintres Hyacinthe Rigaud et Largillière étaient aussi de ses amis.

En 1746, elle est atteinte de cataracte et perd progressivement la vue. En 1749, elle se fait opérer mais perd définitivement la vue. Elle décède le 15 avril 1757.

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JOUR 1: Départ en vol Air Berlin ou Air France 9h10 (heures de principe) arrivée Berlin Tegel, accueil de notre guide et du car. Transfert en car en centre ville. Tour de ville en car. Déjeuner en cours de route. Premières vues sur le Reichtag, l’ancien emplacement du mur, la Porte de Brandebourg. Puis nous verrons l’avenue Unter den Linden, le musée du Mur où nous évoquerons les différentes séparations de la ville en 1948. Enfin, nous découvrirons Ckeck Point Charlie et les sites incontournables de la capitale. Nous terminerons par le musée d’Art Juif, émouvant et fort intéressant du point de vue muséographique. Installation dîner et nuitée dans notre hôtel *** centre Berlin.

JOUR 2: La journée sera consacrée à l’Ile aux musées et la Postdam Platz pour la visite du Neues Museum restauré avec les antiquités égyptiennes, le site de Tell el Amarna, la tête deNéfertiti et les statues célèbres d’Akhenaton, la Neue Nationalgälerie avec les œuvres de Juan Gris Fernand Léger et surtout les peintres allemands de l’Expressionnisme et du mouvement Die Brücke. Déjeuner et visite de Potsdam avec son superbe château de Sans-Soucis. Retour à l’hôtel dîner et nuitée.

JOUR 3: Après le petit déjeuner, transfert en car à Dresde, l’une des plus anciennes cités d’Allemagne puisqu’elle a récemment soufflé ces 800 bougies. Visite de la Manufacture de Meissen et du centre de la ville. Dîner et nuitée dans notre hôtel ***à Dresde.

JOUR 4: Visite de la collection de la  » voûte verte » avec les œuvres des plus grands joailliers de la Cour de Dresde, et les pièces d’argent et d’or, d’ambre et d’émeraude. Nous visiterons également la Frauenkirche, symbole éclatant du Baroque, qui vient d’être restaurée et d’autres très beaux hôtels baroques de la ville. Retour sur Berlin

Le prix comprend

L’aller retour en avion vol direct sur  AIR FRANCE, la pension complète en hôtel*** centre ville. Les visites guidées mentionnées au programme par un guide local et la conférencière spécialisée et les transferts en car.

Ne comprend pas: les boissons aux repas, l’assurance annulation le supplément single et la taxe aérienne.

Berlin-Dresde voyage culturel

PRIX pour les groupes: Devis sur mesure. Renseignements au 01 42 80 01 54

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De tout temps, la couleur noire a fasciné les civilisations mais c’est surtout la pierre noire antique qui nous intéresse. En effet à Biblos, on présentait la déesse Astarté sous la forme d’une pierre conique. Les Celtes eux-mêmes, vénéraient une vierge noire fécondante. Chez les Grecs, on associait la couleur noire à celle de Vénus, mais aussi à Diane dont la tête est surmontée d’une lune.

Jésus lui-même est censé naître à minuit, au milieu de la nuit. La date de sa naissance décidée au 25 décembre en 354 est en rapport avec le solstice d’hiver. Ainsi, le Christ naît au milieu de la nuit et apporte la lumière. Par ailleurs, on pense au Cantiques des Cantiques: Je suis noire mais belle… Cette lumière, elle a sauvé des marins en mer grâce à la vierge noire de Rocamadour. De même, on représente presque toujours Isis, qui ressuscite son frère Osiris, en noir.

Il y a donc, depuis la plus haute Antiquité, un rapport entre la matière première génératrice de vie et la couleur noire. Mais cette régénérescence se fait sous terre. Et l’on n’est pas étonné de découvrir miraculeusement des statues de vierges noires, au fond d’un puits ou d’une grotte. Par ailleurs, ces vierges souvent miraculeuses sont placées dans des endroits où les courants telluriques sont les plus puissants.

Les  Celtes le savaient si bien que leur principaux temples sont dans des sites telluriques intenses. Ainsi, les cartes de courants telluriques en France et celle des lieux où l’on trouve une vierge noire peuvent se confondre. Par ailleurs, on trouve souvent un rapport entre un lieu Celte religieux et l’emplacement d’une église abritant une vierge Noire. C’est le cas de la cathédrale de Chartres qui abrite un dolmen dans les murs de sa crypte. C’est aussi frappant au Puy qui possède une fameuse « pierre des fièvres ».

L’uniformité stylistique des Vierges Noires est frappante. Elles sont toutes en bois et mesurent uniformément entre 70 et 84 cm. Elles sont hiératiques, dépourvues de sentiments et regardent droit devant. L’Enfant Jésus figure frontalement sur ses genoux et le présente au fidèle. Certaines sont miraculeuses et passent pour avoir guéri des malades (Notre-Dame de Vauclair). D’autres ont sauvé la ville de l’incendie (la Vierge Noire de Moulins). D’autres enfin protègent les naissances (la Vierge de la Daurade à Toulouse).

On sait maintenant que les Vierges Noires ont un rapport avec les anciens cultes de l’Antiquité. Mais on a sculpté la plupart d’entre elles entre le XIIe et XIIIe siècle et majoritairement en Auvergne et Languedoc. Saint Bernard de Clairvaux (1090-1153) qui vouait un culte particulier à la Vierge a sans doute fait rayonner son culte dans toute la France. Mais le rôle des Templiers tout au long du XIIIe siècle a permis d’introduire un regard oriental sur l’image de la Vierge. Comme un supplément d’âme qui la relierait à l’alchimie et la régénération.

Pour les groupes: conférence possible en présentiel ou distanciel tous les jours sauf le dimanche

Pour les individuels : visio-conférence le samedi 7 janvier 17h00

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Après la mort de son épouse, Isabelle de Hainaut, des suites d’une longue maladie, le roi Philippe Auguste se retrouve veuf. Nous sommes en 1190. Puis son fils, le futur Louis VII tombe gravement malade au point qu’on craint pour sa vie. Philippe Auguste songe alors à sa descendance et accepte de se remarier avec la fille du roi du Danemark, Indebruge. Le mariage a lieu assez vite et l’on prépare aussi le couronnement de la nouvelle reine. Mais au cours de la cérémonie, Philippe Auguste est pris d’un doute affreux. Jamais il ne pourra supporter cette jeune femme.

Pour autant, Indebruge est très belle. Et toute la cour loue la jeune fille mais le roi se sent très étranger à cette beauté et encore plus à la langue danoise. Le roi décide alors d’annuler le mariage sur le champ. Commence alors une enquête juridique pour procéder à l’annulation du mariage sous prétexte de consanguinité. De suite, l’enquête révèle qu’un lien de parenté existe au 18ème degré, mais elle est refusée par le cardinal de Champagne. Philippe-Auguste furieux, fait comparaître sa femme dans une sorte de jugement. Et il se garde bien de faire intervenir les interprètes qui auraient intervenu en la faveur d’Indebruge. On déclare finalement le mariage nul. Mais Indebruge se sentant bafouée, décide de faire appel au pape.

De rage, le roi de France traîne sa jeune épouse de tourelles en tourelles, de couvent en couvent. Le pape Célestin III indigné des procédés du roi de France envoie des légats. Philippe Auguste les renvoie avec une telle fermeté qu’ils en restent coi. Mais le pape brandit le spectre de l’excommunication. Alors le roi de France se prépare en silence à un autre mariage: celui qui le rapproche d’Agnès de Méranie, soeur du duc de Moravie. Il est follement amoureux d’elle et la cour avoue admirer sa très grande beauté. Indebruge pendant ce temps se morfonds et envoie à l’Église des chasubles brodés par ses soins. Elle cherche aussi la consolation dans la prière et garde le soutien de l’Église qui la reconnaît comme la seule reine de France.

Pendant ce temps, Philippe-Auguste vit une passion folle avec Agnès. Le couple demeure de Paris à Fontainebleau et accueille les troubadours qui chantent la beauté d’Agnès. Elle est l’envoutante souveraine dont on défend les charmes et les honneurs dans les tournois et dans les duels. Mais Clément III est remplacé par Innocent III qui entend mettre au pas le roi de France en le menaçant d’interdit. Le pape est suivi par un certain nombre de prélats. Philippe les boute au-delà de son royaume en leur confisquant leurs biens. Mais le peuple s’indigne de la colère du roi et les barons s’interrogent.

Là, Agnès rappelle qu’elle a donné deux enfants au roi et pleure sa grossesse difficile. Philippe-Auguste rappelle au pape qu’il ne peut la renvoyer car vu son état, un voyage peut la tuer. On emmène néanmoins la jeune femme dans un château Normand où elle meurt en mettant au monde un fils dénommé Tristan. Philippe, désespéré, vient de perdre la femme de sa vie.

Au final le roi de France reprit son épouse enfermée depuis 1212 au monastère. Le roi vécut avec elle jusqu’à sa mort en 1223 et Indebruge lui survécut 13 ans.

Philippe-Auguste et Indebruge de Danemark.

Véronique Proust

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LA GRACE DE LA JEUNESSE

C’est grâce à son beau-père, maître d’hôtel d’Henriette d’Angleterre, belle-sœur du roi, que Mademoiselle de La Vallière entra à la Cour de Versailles. Là, elle grandit dans un milieu éblouissant et vaniteux dans laquelle elle brille discrètement, par son humilité et ses expressions bienveillantes. De plus elle boite quelque peu, si bien que son bassin ondulant légèrement lui donne un certain charme. Ses yeux sont bleus, ses cheveux sont presque argentés à force d’être blonds. Ses regards sont languissants et quelques fois aussi pleins de feu, de joie et d’esprit…nous dit le pamphlet du Palais Royal.

Mademoiselle de la Vallière ne se maquille presque pas, ce qui détonne dans une cour qui cultive le fard de façon extravagante. Son corps est un d’une certaine maigreur reflétant une fragilité qui ajoute à ses charmes. Le roi l’a remarqué, il s’en émeut et se confie à son médecin Chiron qui le rassure. En effet, il arrive au roi de tourner son regard vers la jeune femme dont le regard languissant le touche plus d’une fois. Si bien que le roi se rapproche de sa belle-soeur Henriette d’Angleterre. Cette affection soudaine ne passe pas inaperçue et la Cour s’en offusque. Ainsi, lors des promenades nocturnes, il arrive au roi de quitter la voiture de sa belle-soeur pour se rendre dans celle de la jeune fille.

L’AMOUR ET LE REMORD

Un jour de giboulée à Fontainebleau le roi devient son amant et une immense passion se déclara. Il l’aimait profondément et admirait l’amour désintéressé de la jeune tourangelle. Le roi voulait la voir constamment et employa le marquis de Dangeau pour lui écrire des lettres enflammées. Et ce dernier se trouva dans une singulière posture.  puisqu’il rédigeait en même temps les lettres du roi à la Vallière et les réponses de la favorite. Seulement voilà, mademoiselle de la Vallière fut prise de remords. Profondément pieuse, elle se voyait en perpétuelle damnation. Elle n’accepta jamais sa situation et se campa dans une agitation nerveuse qui la conduisit à des actes désespérés.

Ces actes la conduisirent à plusieurs reprises au couvent. En effet, elle avait jeté son dévolu sur le couvent des Visitandines à Chaillot. Un jour, le roi lui demanda de le tenir informé des galanteries d’Henriette d’Angleterre. Louise refusa et le roi entra dans une colère noire. Elle se retira en espérant une réconciliation qui ne vint pas. Alors Louise s’enfuit au couvent et le roi mis au courant alors qu’il recevait les ambassadeurs d’Espagne, sauta sur son cheval pour aller la chercher. Les religieuses affolées, avaient retenu la jeune fille au parloir. Ce qui permit de lui parler pour la convaincre de revenir.

UNE VIE RECLUSE AU SERVICE DU ROI

Leur liaison perdura mais elle devait rester secrète par égard pour Anne d’Autriche qui venait d’accoucher du dauphin. La Vallière resta dans l’ombre mais elle connut quelques enivrants triomphes. Le premier et sans doute le plus beau fut le carrousel que le roi donna en 1662 aux Tuileries en son honneur. Mais il fallait demeurer dans l’ombre. Le roi lui acheta une petite demeure, le palais Brion où elle accoucha en secret de deux enfants Louis de Bourbon et Mademoiselle de Blois.

Anne d’Autriche si bienveillante par la suite n’était pas encore habituée aux écarts de son royal époux. Louise devint sa bête noire. Pour autant le roi resta fidèle à Louise pendant 6 années, lui accordant tous les égards malgré sa vie recluse. Mais un jour, l’ombre de la Montespan entra dans les couloirs de Versailles et le roi se lassa de notre tourangelle. Il la fit duchesse ce qui confirma le mauvais présage sans pour autant se résoudre la quitter. Louise aimait toujours de cet amour pur qui subit toutes les humiliations. En effet, le roi passait par sa chambre pour rejoindre celle de la Montespan.

UNE FIN TRES PIEUSE

La reine elle-même interdit que Louise approche le roi, surtout pendant la campagne de Flandres. La rupture viendra de Louise, en ce matin d’avril 1674, où elle entra au Carmel. Elle alla demander demander pardon à la reine qui avait changé, et elle pardonna. Louis XIV en pleur, la Cour plutôt émue. Et Louise monta dans son carrosse, entra aux Carmélites pour ne plus jamais en sortir.

Trente six ans après, la recluse quittait ce monde avec toute la grâce qui avait orné sa vie.

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Tamara de Lempicka naît en Pologne en 1898 et s’installe à Saint-Pétersbourg en 1914. C’est là qu’elle rencontre Tadeuz Lempicki, avocat russe qu’elle épousera en 1916. La Révolution fait fuir la couple qui s’installe à Paris. Mais Tadeuz refuse d’abandonner sa vie privilégiée de collectionneur et rentier. Cela pousse Tamara à prendre ses distances et gagner sa vie. Elle choisit la peinture.

On ne connaît pas grand chose de sa formation d’autant qu’elle brouille elle-même les cartes. Une chose est sûre, c’est qu’elle rejoint à Montparnasse l’atelier d’André Lhote. Marquée par le cubisme, ses portraits et ses nus portent une empreinte singulière dans la veine du style Art Déco. Le succès ne tarde pas, et elle immortalise la Bohème parisienne de son temps tels André Gide ou Suzy Solidor et surtout Gabrielle d’Annunzio. Par ailleurs, elle fréquente Paul Poiret et Georges Braque .

En 1928, après son divorce, elle réalise son premier voyage à New York. En effet, son style plaît à une certaine clientèle américaine. Elle réalise le portrait de la fiancée d’un riche américain, Rufus Bush. Elle réalisera aussi plusieurs autres tableaux dont d’intéressantes études de gratte-ciel. Et dans ce cadre du développement du style Art Déco, Tamara de Lempicka a toute sa place. En effet, l’artiste entretient ses relations avec la forme cubique et les dégradés monochromes. Elle y mêle aussi des connotations sensuelles et érotiques qui en choquent plus d’un mais qui passent pour d’autres pour une forme de modernité.

Dans ce cadre, la figure de la garçonne, cheveux courts fumant cigarette, devient une image phare de l’artiste émancipée. Tamara de Lempicka s’en servira beaucoup, d’autant qu’elle ne cachera plus son homosexualité.

Ces nus féminins aux chairs en céramique sont tout de suite reconnue. C’est le cas de la Belle Rafaela nue, exposée au Salon de 1927. La toile suscita un grand intérêt par la technique et par la manière réaliste de traiter les chairs vieillissantes.

Par ailleurs, les rapports entre Tamara de Lempicka et la mode ont toujours été importants. Par exemple, on s’aperçoit que certaines de ses aquarelles et peintures sont issues de la mode. Si ça n’est pas le cas, ses portraits sont tous imprégnés de sophistication extrêmes et de grande élégance, chers au monde de la mode. C’est pour cela que les gammes chromatiques de l’artiste sont aussi elles-mêmes très élaborées.

A Paris, Lempicka se crée un roman, celui qui associe la Bohème de la Montparnasse et la splendeur cosmopolite des commanditaires riches. Ainsi, dans les années 40, elle élabore une politique de communication de grande modernité en créant le personnage de Suzanne. Elle est aussi l’égérie de ses amies artistes comme Suzy Solidor et Colette. Elle est aussi très proche du poète Gabrielle d’Annunzio.

Pour autant, ses portraits qui dégagent une envie de richesse et d’élégance racontent par moment une humanité différente. On y voit des vierges et des mendiants, des êtres vaincus, humiliés, ravagés..

Mais cette veine là ainsi que ses natures mortes ne plaisent pas et en 1960 son exposition chez Alexandre Iolas est un échec. Elle décédera en 1980 au Mexique, quasiment dans l’oubli. Ses œuvres aujourd’hui se vendent à prix d’or.

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LA PASSION DES ARTS

Léonce et Paul Rosenberg avaient hérité de leur père une passion pour l’art moderne et travaillaient ensemble en 1908 dans la galerie paternelle. En 1912, Léonce s’ouvre au cubisme et travaille dans la galerie d’Henry Kahnweiler pour qui il achète des toiles de Braque et Picasso. Mais en 1914, Henry Kanhweiler se voit saisir sa collection du fait de sa nationalité allemande. On charge Léonce d’estimer les tableaux en vue de la vente, ce qui provoque l’indignation de la communauté artistique. Par ailleurs, cette vente a aussi l’effet catastrophique d’inonder le marché de l’art de toiles cubistes et d’en faire baisser les prix.

Si Paul Rosenberg indexe alors les prix et montre un rapport strictement commercial à l’art, il en est autrement pour son frère. En effet, Léonce vend des toiles, mais il les collectionne aussi et en décore son appartement comme un simple bourgeois. En effet, son appartement de la rue de Longchamp n’abrite pas uniquement des toile qu’il compte vendre. Elle sont de véritables commandes passées aux artistes comme un ensemble cohérent de décor. Dans ce cadre, le projet de Léonce n’est pas isolé. On mentionnera ainsi la maison de l’avenue de Messine que Paul Guillaume transforme en 1928 en véritable hôtel-musée. Le studio de Jacques Doucet à Neuilly ou la villa Stein-de-Monzie à Garches en sont d’autres exemples.

75 RUE DE LONGCHAMP

Léonce Rosenberg passe ainsi des commandes à de Chirico, Max Ernst, Severini ou Picabia. Il leur offre ainsi un tremplin inégalable pour accéder à la célébrité tout en faisant de son appartement un musée personnel. Par ailleurs, en passant commandes à ces artistes, il définit aussi une des modernités propres à l’entre-deux guerres.

L’Exposition Internationale des Arts Décoratifs de 1925 fut aussi pour lui l’occasion de renouer avec les mouvements étrangers tels que De Stijl. Et on lui doit à ce titre, la primeur de l’exposition en France des toiles de Mondrian. Mais cette exposition fut aussi un moyen de révéler à Léonce sa passion pour l’architecture et la géométrie.

Le fonds Léonce Rosenberg de la bibliothèque Kandinsky comprend quantité de lettres très instructives sur les démarches du collectionneur. On y apprend qu’il recherche une maison qui soit moderne mais par moderniste. A Fernand Léger il écrit en 1928 qu’il vient de louer 75 rue de Longchamp un appartement de 360 m2 pour sa femme et ses trois filles. L’on apprend ensuite qu’il destine une pièce par artiste sélectionné. Chacun devra s’adapter leur création au mobilier existant datant du XIXe siècle. Difficile tâche dirait-on, mais Léonce a une image précise de la correspondance des formes. Pour moi dira-t’il, il n’y a ni ancien ni moderne. Il y a le vrai et le faux et comme seul, le vrai demeure…

PLURALITE DES STYLES

En effet, Léonce considère par exemple que sa collection de meubles Louis-Philippe sauront parfaitement mettre en valeur l’art cubiste. En réalité, ce mobilier reflète les valeurs d’une époque historique de transition entre un ancien régime et une bourgeoisie émergente.

Les artistes sélectionnés jouent le jeu et d’une manière particulière, puisqu’ils savent que leurs oeuvres ne sont pas destinés à la vente. Mais il admet que les toiles des artistes côtés comme Léger et de Chirico seront sans doute moins nombreuses que celles de Metzinger, Herbin ou Severini.

En 1928, les commandes sont passées à Léger, de Chirico, Severini, Valmier et Metzinger. Herbin est appelé à décorer le fumoir. Ernst et Savinio sont chargés du décor des chambres à coucher. Les lettres de Léonce révèlent qu’il « presse » un peu les artistes car il lui tarde d’emménager. Au final, tout est terminé pour une inauguration le 15 juin 1929.

Au regard de la thématique antique revisitée par Chirico, certains critiques y ont vu des visions du monde fasciste. D’autres n’ont pas parlé d’œuvres d’art mais de « décoration », en critiquant fortement le mélange des genres. En effet, les figurations antiques mêlées au cubisme tardif ou à la figuration extrême déplut fortement à certains observateurs. Pour autant, Picasso avait reconnu jadis qu’on pouvait faire coexister différents langages artistiques. Mais il faut reconnaître que le classicisme et le cubisme d’après-guerre avait beaucoup évolué. En effet, ils avaient embrassé au fil des mois des styles multiples que certains critiques avaient du mal à cerner.

L’ARTISTE ET LE MARCHAND

Léonce Rosenberg avait aiguisé son regard dans la galerie de son père. Mais il découvrit le cubisme en 1912 chez Henry Kahnweiler. A cette époque, le marchand détenait le monopole des œuvres de Braque et Picasso en ayant signé avec eux des contrats d’exclusivité. Lorsqu’on dépossède Kahweiler de ses toiles, Léonce Rosenberg les inventorie en vue de la vente. Et il saisit l’occasion pour reprendre à son compte cette exclusivité. Il se fait notamment introduire dans les salons de Gertrude Stein et découvre d’autres toiles de Picasso mais aussi les oeuvres de Matisse.

C’est ainsi que Léonce Rosenberg achète l’Arlequin de Picasso pressentant qu’il s’agissait là d’un double de l’artiste. En réponse, Picasso réalise un portrait en pied du marchand, à la mine de plomb. Il figure tel un mécène avec la figure de l’arlequin en toile de fond. Mais Picasso se méfie de Léonce Rosenberg et résiste à la tentation de signer avec lui un contrat d’exclusivité.

Cependant, en 1917, Picasso est appréhendé pour les décors de Parade initié par les ballets russes. Cocteau qui a coordonné l’affaire auprès de Serge Diaghilev réalise les décors et Eric Satie la musique. La collaboration de ces artistes provoque une vive émulation. Mais à la suite du scandale qui s’ensuit, Léonce piqué de jalousie, s’offusque que les artistes qu’il soutient soient engagés par Diaghilev. Aussi écrit-il une circulaire en septembre 1917 leur interdisant de participer aux Ballets russes. Cette autorité et ce ton directif qui reposent sur une très faible légitimité en dit long sur les rapports que Léonce entretenait avec les artistes.

Cocteau répond avec de belles phrases qui frisent l’impertinence. Quant à Picasso, il dessine le costume du « manager français » de Parade avec un costume complet, un chapeau, une moustache et une pose altière très proche de la silhouette de Léonce. Du reste les relations entre Picasso et Rosenberg s’assombrirent quelques temps après la représentation de Parade .

Léonce Rosenberg mécène et collectionneur

Véronique Proust

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Tout d’abord, la bague n’est pas une parure. Pour exemple, les bagues des papes et des évêques révèlent leur lien étroit avec Dieu. La bague a d’abord été une histoire de cachet, de signature. Par exemple, les Babyloniens avaient un cachet sous forme de sceau-cylindre sur lequel était gravé en écriture cunéiforme. De même les Egyptiens portaient des cachets avec des hiéroglyphes. Mais pour les porter de façon commode, ils le portèrent autour du cou ou autour du poignet. Mais comme on applique le cachet avec la main, les personnes habituées aux tâches administratives finirent par le porter grâce à un fil attaché autour du doigt. Cependant, le fil pouvait se casser ou tourner. On décida alors de porter ce cachet fixé sur un anneau. La bague était née.

La bague est aussi le reflet d’un gage, d’un serment. Lorsque Alexandre meurt, il désigne son successeur en lui remettant un anneau. Toujours sous l’Antiquité, le tyran de Samos Polycrate proposa aux dieux un sacrifice en jetant à la mer ce à quoi il tenait le plus, une bague ornée d’une émeraude. Mais les dieux refusèrent ce sacrifice et lui ordonnèrent de retrouver la bague dans le ventre d’un superbe poisson.

La bague est avant tout un anneau qui scelle un pacte, une union. Et sa forme circulaire signifie aussi l’éternité. L’anneau le plus légendaire est bien celui que Peau d’Âne met dans le gâteau que goutera le prince. Donner son anneau, c’est se donner soit-même. Le Christ donne un anneau à Sainte Catherine , Henri IV donne un anneau à Marie de Médicis. L’un des pactes les plus énigmatique est celui du don d’alliance du doge de Venise avec l’Adriatique signifiant ainsi l’alliance entre son peuple et un élément: la mer.

Les toutes premières bagues romaines étaient des anneaux de fer. Ça n’est qu’au Moyen Age que ces anneaux de fer devinrent de cuivre, d’or ou d’argent orné de pierres précieuses. Le symbole lié à “l’attachement”, “le pacte” perdure en ceci que l’on met le plus souvent les bagues à la main gauche, côté du cœur. Les Gaulois et les Bretons portaient leur bague au majeur alors que les Grecs le portaient à l’annulaire. Par la suite, le choix du doigt portant la bague eut une signification. Portée au pouce elle désigne une force de caractère, sur l’index, le pouvoir la confiance. L’anneau porté au majeur est une marque d’autorité et de responsabilité. Portée à l’annulaire, la bague signifie alors l’engagement. La bague mise sur le petit doigt évoque l’éloquence et la distinction.

La bague, un bijou bien particulier.

Véronique Proust

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Drôle de roi que ce Louis XI, roi de France de 1461 à 1483. Son physique ingrat et son allure paysanne lui valent les pires railleries. De plus, il n’a pas de cour, et demeure le plus souvent seul dans sa chambre avec quelques conseillers. Rebelle depuis son enfance, il entretenait de très mauvais rapports avec son père Charles VII. En outre, il détestait la maîtresse de ce dernier, Agnès Sorel. Enfin, il n’aura de cesse de comploter contre lui jusqu’à son accession au trône très tardive, à l’âge de 38 ans.

Son ambition était de faire la paix avec l’Angleterre et de régler les problèmes de la France avec les princes de son territoire. Or le plus dangereux est Charles le Téméraire, duc de Bourgogne. Ce dernier n’a de cesse de pactiser avec l’Angleterre, d’agrandir son territoire et son autorité, de la Bourgogne à la mer du nord. De plus, il rejoint la Ligue féodale du Bien Public pour empêcher Louis XI d’acheter les villes de la Somme selon le traité d’Arras. Mais Louis XI, qui inspira Machiavel est roi de France mais aussi le roi de la négociation. Il sait que le duché du Téméraire  constitué de provinces très étendues n’est pas unifié.

Pour fragiliser le duc de Bourgogne, Louis XI attaque le duché de Bretagne allié à la Bourgogne qui, prise au dépourvue doit négocier. Charles attire le roi de France à Peronne où les négociations se dégradent très vite. Une garnison de 600 hommes tentent d’entrer au château pour enlever les deux souverains. Mais il se font arrêter par une terrible répression bourguignonne. Cette preuve d’autorité fait réfléchir Louis XI qui retourne à Tours en méditant une nouvelle vengeance.

Ainsi déclare-t’il le traité de Peronne caduque, récupère les villes de la Somme et empêche le mariage de son frère avec Marie de Bourgogne. La jeune duchesse de 20 ans, devant l’entrée des troupes françaises dans son duché, épouse Maximilien d’Autriche. Et à la suite de la paix signée à Senlis entre l’Empire et la France, la Bourgogne entre dans le royaume de France. De son côté l’Empire garde les Flandres.

Louis XI entre à Angers pour prendre le château ce qui oblige le vieux René d’Anjou à lui céder l’Anjou et par la même occasion la Provence.

Sur le plan de la politique intérieure, Louis XI a beaucoup réformé, même si sous règne, les impôts ont triplé. On lui doit par exemple l’unification des poids et des mesures et l’affranchissement de taxes d’un grand nombre de villes. Il donne l’autorisation à la noblesse de pratiquer le commerce avec en contrepartie, l’abolition des privilèges fiscaux. Il crée la Poste publique, et développe l’usage de l’imprimerie dans toute la France. Ainsi peut-on dire qu’en tant que prince de la Renaissance, il a ouvert la France à la modernité.

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