Il existait jadis un petit village au sud de la capitale, entretenu par les moines de Saint Germain des Prés . La rue principale, à l’origine de la rue la plus longue de Paris, possédait une chapelle du XIVe siècle. Le village essentiellement agricole et rural prospéra jusqu’à la Révolution. Les parisiens y emmenaient leurs vaches et leurs chevaux car les plaines de Vaugirard étaient réputées grasses. En 1825, le village accueille 6500 habitants. Il sera intégré à la commune de Paris en 1860.

De cette époque date le chemin de fer de la Petite Ceinture. Cette ligne de 36 kilomètres de longueur faisait jadis le tour de Paris à l’intérieur du boulevard des Maréchaux. Elle transportait à la fois des voyageurs et des marchandises, puis elle ferma progressivement. Les dernières locomotives cessèrent de fumer en 1990.

Par son éloignement du centre ville, Vaugirard accueillit les abattoirs dès le Directoire. Il rivalisait avec ceux du Roule et de Montmartre car, grâce à son puits artésien, il était le seul à posséder l’eau chaude.

Non loin se trouvait le marché aux chevaux. Ce dernier était très prospère puisque le cheval était partout présent à Paris. En effet, jusqu’en 1914, on utilisait les chevaux d’attelage pour les voitures de livraison, les pompiers, les corbillards. Vaugirard fournissait aussi les chevaux de la Garde Républicaine. Par ailleurs, les familles aristocratiques achetaient là les chevaux de leur équipage. Les chevaux parisiens seront aussi réquisitionnés pendant la guerre de 14-18.

C’est dans ce quartier que s’est installée la boulangerie Poilâne, aux abords du parc Georges Brassens. Ce dernier remplace des vignes qui jouxtaient jadis les abattoirs. L’odeur nauséabonde que ces derniers entraînaient explique les prix bons marchés des terrains à vendre. Aussi Alfred Boucher acquit ici un terrain pour y installer cet ancien pavillon d’Exposition Universelle qu’on surnommera la Ruche. Nul se doutait dans le village que cet endroit abritera Modigliani, Chagall, Soutine et de nombreux autres artistes.

En traversant le square de l’église saint Lambert où Truffaud tourna la Mariée était en noir nous ne manqueront pas d’admirer les vitraux de l’église saint Lambert. Puis, nous nous rendrons rue Blomet, ancien chemin vicinal qui accueillit les Sulpiciens. Il y avait aussi des guinguettes. L’une d’entre elle devint célèbre : le Bal Blomet. Cet établissement accueillit de nombreux artistes durant les années Folles, tel Man Ray, Kiki, Van Dongen, Desnos, Joséphine Baker…

Visiter le village de Vaugirard. Visite possible tous les jours sauf le dimanche.

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FUIR LA GUERRE ET LES INTERDITS RELIGIEUX

Le 15 Avril 1881, le gouvernement russe qui veut maintenir la religion chrétienne dans le pays, entame une politique antisémite d’une rare violence. Le programme se résume à ceci: Un tiers des Juifs sera converti, un tiers émigrera, un tiers périra. Les exactions envers eux obligent de nombreuses familles à émigrer. Parmi elles, plusieurs artistes.

C’est le cas de la famille de Chana Orloff qui quitte la Russie pour s’installer en Turquie ottomane. Le père de Chana, sioniste convaincu, pense que l’avenir des Juifs est en Israël. Chana est douée et dotée d’un caractère indépendant. Elle veut être artiste, se libère du carcan familial et débarque à Paris en 1910. Elle travaille d’abord comme styliste et suit des cours dans l’atelier de Marie Vassilieff. Puis elle s’inscrit à l’école des Arts Décoratifs, dite « la petite école », en opposition à la « grande école », l’école des beaux Arts où les femmes ne sont pas admises.

Dans le Paris de la Bohème, elle rencontre Modigliani et Soutine, Foujita et Jean Cocteau. Chaïm Soutine est juif lui aussi, né en Lituanie et élevé dans une extrème pauvreté. Mais il est doué pour le dessin et décide de s’enfuir à Minsk où un artiste-peintre nommé Krueger lui enseigne les rudiments de l’art. Un jour que Chaïm est pris à faire le portrait du rabbin, le fils de ce dernier le roue de coups au point de le faire hospitaliser.

En effet, il y a cet interdit religieux qui empêche les peintres juifs de représenter la figure humaine. Soutine partage son amertume avec deux autres artistes, Kikoïne et Krémègne. Les trois jeunes hommes rêvent de Paris, qui est alors la capitale des arts. Les artistes peuvent y exposer librement toute sorte de peinture. Il y a aussi le « Salon des Refusés » qui donne sa chance à la modernité.

MODIGLIANI, LE FEDERATEUR

Modigliani, lui, habite alors cité Falguière. Il est venu de Livourne en Italie l’année 1906 grâce aux économies de sa mère. Mais après avoir dépensé tout l’argent dans un hôtel du quartier de la Madeleine, il rejoint la Bohème de Montparnasse. Son talent lui permet de gagner sa vie en croquant les portraits sur la terrasse de la Coupole. Il voudrait être sculpteur mais ses défisciences pulmonaires l’empêchent de respirer la pierre qu’il sculpte admirablement. Alors il peint et partage son atelier avec son ami Soutine .

A l’académie Julian, Modigliani rencontre le sculpteur Chaim Jacob Lipchitz, un Lituanien venu s’installer à Paris en 1909. En effet, il pense que l’enseignement des académies parisiennes lui permettrait de se détacher de la sculpture ancesttrale sur bois pour se familiariser avec la pierre. Il y parvient en fréquentant la célèbre académie Colarossi. L’ art primitif et la sculpture africaine le séduisent rapidement. Modigliani et Chaim Jacob Lipchitz partagent tous deux cette esthétique nouvelle. Ils s’installent à la Ruche dans la plaine de Vaugirard, qui acceuille aussi d’autres artistes.

A LA RUSSIE AUX ANES ET AUX AUTRES

Chagall est arrivé de saint Pétersbourg en 1910. Il y avait cotoyé l’avant-garde et Léon Baskt, le grand décorateur des ballets russes. Sur son conseil, le peintre avait rejoint Paris tout en laissant sa fiancé, Bella, dans sa ville natale. Chagall est aussi locataire à la Ruche. Tous les matins il s’en va avec ses toiles sous le bras pour les proposer aux galeristes qui n’en veulent pas. Ces derniers ne jurent alors que par le cubisme.

Alors en 1911,Chagall peint une toile A la Russie, aux ânes et aux autres où dans un ciel découpé à la manière des prismes cubistes vole une jeune paysanne qui semble rejoindre la lune. Sur le toit d’une maison, une vache nourrit un enfant de son lait nouricier. En contrebas, une église russe. Si Chagall cotoie les cubistes, il se se résoudra jamais à l’abstraction. Sa peinture sera toujours figurative et poétique, nourrie de sa culture talmudique et russe.

En 1913 débarque un jeune homme de 20 ans. Né à Cracovie, il peint admirablement les muses de Montparnasse, comme Kiki ou Aïcha, mais il portraiture aussi les célébrités comme Colette ou Marie Laurencin. Ce jeune homme s’appelle Moïse Kisling. Vêtu de sa lévite et de sa redingote noire et armé d’un sourire ravageur, il fréquente les salons parisiens et décroche une première exposition personnelle en 1919. Si Kisling a pu être tenté par une forme d’abstraction, il est toujours resté fidèle à la figuration, que ce soit dans ses paysages ou ses natures mortes. Lui aussi peint des visages avec une immense poésie, un dessin sûr et des couleurs suaves.

UNE ECOLE A PARIS OU PERSONNE NE PARLE FRANCAIS

Que ressentent tous ces artistes qui ont quitté leur pays natal? Certainement beaucoup de nostalgie et des souvenirs attachés à l’enfance bercé dans la chaleur de la religion. Ce sentiment les rapprochent au point que la majorité des peintres utilisent des couleurs chaudes, tels des rouges sombres, des orangés veloutés des ocres bouillants. Ils cultivent surtout une poésie nostalgique qui caractérise presque toutes les toiles des artistes de l’Ecole de Paris. Par ailleurs, la plupart reste assez hermétique à l’abstraction. Seul Henri Hayden qui travaille à l’écart, se risquera à peindre vers 1915 des toiles cubistes remarquées par Léonce Rosenberg.

Mais en 1922, après avoir « épuisé les sources du cubisme », il reviendra aussi à la figuration. Les artistes de l’Ecole de Paris réalisent des natures mortes et des portraits en donnant à leur sujet un réalisme tangible qui reflète leur incertitude et leur regard bienveillant sur l’humanité. De là découle une poésie sans pareil dans les natures mortes de Soutine, les regard de Modigliani, les visages de Kisling, les natures mortes d’Esptein.

Ce qui les rapproche aussi est la barrière de la langue. En effet, Adolphe Feder et Chana Orloff sont ukrainiens. Alice Halicka, Moïse Kisling sont nés à Cracovie. Chagall, Soutine, Krémègne, Epstein parlent russe avec Ilya Ehrenbourg ou Blaise Cendrars. Modigliani ne peut parler italien qu’avec Severini et développe la gestuelle d’acteur pour mieux se faire comprendre en français. Epstein parle en yiddish avec Chagall et écrit des articles dans la même langue avec Krémègne dans la revue Machmadim.

Ce qui les rapproche aussi est leur culture hassidique. Presque tous sont d’origine juive et sont venus peindre à Paris pour fuir les interdits religieux en peinture. Aussi ces artistes ont toujours été réticents à l’appellation « Ecole de Paris » qu’André Warnod a utilisé en 1925 pour désigner les artistes étrangers venus dès les années 1910. Il leur semblait plutôt que l’auteur séparait bien les artistes français tels Braque, Léger ou Derain des intellectuels juifs de Montparnasse.

Toujours est-il que ces artistes ont dominé la scène artistique jusque dans les années 60 et le public ne les a reconnu que tardivement. En effet, la mode de l’abstraction les a longtemps écarté de la scène artistique. Il a fallu attendre les années 20 et le retour à une certaine figuration pour que les regards se tournent vers leur peinture.

Le musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme organise du 2 avril au 23 août 2020 l’exposition Chagall, Modigliani, Soutine… Paris pour École, 1905-1940 qui réunira des toiles de ces grands maîtres de l’Ecole de Paris, aux côtés d’autres peintres moins connus tels que Adolphe Feder, Alice Halicka, Mela Muter et bien d’autres.

L’ECOLE DE PARIS Modigliani, Soutine, Chagall et les autres… Exposition et conférence en salle. Renseignements au 01 42 80 01 54

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Tout commence à Vitebsk. Cette ville, nichée aux confins de la Bielorussie connait au tournant du siècle une activité artistique intense. En effet, l’intelligentzia juive cultive la littérature, peinture et gravure dont l’expression lui permet de sortir du ghetto.

Avec l’arrivée du lituanien Iouri Pen, une école de peintres se crée. Elle attire quelques artistes qui peignent des sujets figuratifs dans la tradition de Rembrandt. Dans cet esprit jugé académique, les peintres Lissitzky, Zadkine, Brazer ou Chagall trouvent leur style..

Quand la Révolution de 1917 proclame l’égalité entre les juifs et les Russes, la peinture de ces artistes juifs se libère. Chagall accepte de devenir leur professeur. Puis il réussit à obtenir un ancien hôtel particulier réquisitionné pour son école, et fait venir des artistes de Moscou et de Petrograd.

L’ambiance est propice à une créativité colorée et sincère, maintenue grâce à l’enseignement libre de Chagall.

En 1919, il invite Lissitzky. Ce dernier est architecte, il a dessiné le drapeau bolchévique et décoré les rues de Moscou. Sa vision est bidimensionnelle et dès 1919, il introduit l’abstraction géométrique dans l’art. Il se rapproche en fait du constructivisme de Vladimir Tatline à une époque où les progrès techniques ouvrent aux artistes de nouvelles perspectives visuelles.

Quand Malevitch vient rejoindre les peintres de l’école de Vitebsk, l’école bat son plein. Mais elle manque de pédagogie selon lui. Cet artiste qui a peint le monochrome de l’histoire de l’art Carré blanc sur fond blanc créera une système pédagogique sur lequel il sera souvent en désaccord avec Chagall.

Ainsi, l’éternelle question du choix entre le figuratif et l’abstrait, du monochrome ou de la couleur, sera au coeur du débat….

Pour les groupes: conférence possible dans vos salles tous les jours Renseignements au 01 42 80 01 54.

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Chaïm Soutine est né en 1893 en Lituanie. Son enfance est marquée par la tradition juive. Dans sa famille, il sont onze enfants qui vivent dans une grande pauvreté. Soutine va à l’école du village et devient l’ami de Krémègne et Kikoïne qui seront aussi des artistes de l’École de Paris. Chaïm s’échappe de sa maison et se réfugie à Minsk chez un oncle tailleur. Il commence alors à dessiner et peindre. Plus tard ses deux amis, Krémègne et Kikoïne partent à Paris. Soutine les suivra en 1913.

Lorsqu’il arrive à Paris, il a tout juste 20 ans. C’est un jeune homme sauvage qui parle peu. Ses amis lui obtiennent une place à la la Ruche de Montparnasse où il commence à peindre surtout des portraits. Ce qui est important pour lui quand on connaît l’interdiction de représenter la figure humaine pour des sujets religieux dans la tradition juive. A la Ruche, Soutine rencontre Modigliani , Matisse, Chagall et Picasso, Kisling et Zadkine. Nombreux sont ceux qui parlent russe.

Soutine peint des personnages qui dégagent une immense profondeur. Les couleurs pures soulignent les nuances des visages et vont chercher les infimes parcelles de l’âme. Parfois les contours des silhouettes vacillent et semblent se perdre en méandre. Conseillé par Pierre Brune, il part en 1919 faire un séjour dans le midi, à Céret, pour éclaircir sa palette. Ombrageux et même colérique, il vit à l’écart de la communauté des peintres et réalise des toiles tourmentées sur le thème des platanes. Leur troncs ocres et verts olive demeurent verticaux tandis que les maisons vacillent et semblent emportée par un tremblement de terre. Dans Les maisons du musée de l’Orangerie, les façades démesurément allongées ondulent et se tordent comme une danse endiablée.

Zborowski, courtier d’art lui assure le gîte et le couvert et le soutient dans son art. Pendant ces trois années à Céret, il a réalisé les toiles les plus inventives de sa carrière. En 1922, l’artiste rentre à Paris sans avoir réussi à vendre aucune toiles. Néanmoins, sa rencontre avec Paul Guillaume et le docteur Barnes, collectionneur américain va être fondamentale. Les deux hommes vont en effet lui acheter de nombreuses toiles et l’encourager.

Soutine habite alors à Montparnasse avec Modigliani. Les deux peintres sont hébergés par Zborowski. Ils mènent alors une vie de bohème tapageuse, forçant sur l’alcool et les filles. Soutine va au musée du Louvre et tombe en arrêt devant le Boeuf écorché de Rembrandt. Cette toile lui dévoile l’attrait de la représentation de la chair. Il en fait une copie et réalise dans les années 1925 une dizaines de toiles sur ce thème. Il habite alors dans un atelier de la rue saint-Gothard à Montparnasse. Là, il se rend aux abattoirs de Vaugirard et achète des pièces de viande pour les représenter. Boeuf et tête de veau du musée de l’Orangerie nous montre une carcasse de bœuf aux teintes rouges et jaunes tracées par de larges aplats de pinceau large.

La représentation de la chair est pour lui le seul moyen de représenter ses modèles, comme pour les faire parler de l’intérieur.

On doit à Soutine un grand nombre de portraits où l’on retrouve le pinceau vacillant et la couleur pure qui vient scruter leur âme. C’est le cas de la Fiancée au regard triste, de Le jeune anglaise légèrement maniérée ou de L’enfant de chœur.

Ce sont alors les années dorées du peintre. Son amitié avec Modigliani le conduit de bar en bar pendant de longues nuits de Montparnasse. Il entame une liaison avec Deborah Melnick qui lui donnera une fille en 1925. Le docteur Barnes, son mécène vient souvent à Paris, se rend directement dans l’atelier de Soutine, cloué au lit par l’alcool et un ulcère à l’estomac qui le ronge. Il choisit quelques toiles et laisse une poignée de dollars sur la table.

Bien que ses toiles se vendent grâce à Zborowki et Paul Guillaume, Soutine connaît un passage à vide dans les années 25. Le courtier d’art le renvoie dans le midi à Céret où il peint maintes fois le même arbre car il peut le réaliser en étant caché. En effet, sa phobie d’être vu en train de peindre, ses complexes et ses peurs contrastent avec son succès international. Malheureusement la récession des années 30 touche le marché de l’art. Ce sont les Castaing cette fois-ci qui l’aident à payer ses factures et l’hébergent.

En 1937, il loue un atelier au 18 villa Seurat dans le quartier Alesia où vivent également Chana Orloff et Henri Miller. Là, il s’installe avec Gerda Groth qui lui apporte douceur, tendresse et équilibre. Le peintre mène une vie plus sereine et songe à soigner son ulcère. Cependant en 1940, sous le régime de Vichy, Gerda en tant que ressortissante allemande doit se rendre au Vel d’Hiv. Il ne la reverra plus.

Malgré sa rencontre avec l’excentrique Marie-Berthe Aurenche, Soutine doit fuir la capitale occupée. En effet, les Allemands savent que Montparnasse et Alésia sont truffés d’artistes juifs. Le peintre toujours miné par la maladie doit fuir les rafles incessantes.

Son ulcère à l’estomac transformé en cancer lui fait vivre un véritable martyr. Transféré d’urgence à l’hôpital il meurt le 8 août 1943 sans que les médecins n’aient pu le sauver.

Il est enterré au cimetière Montparnasse.

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Lorsque Paris devient capitale, l’évêque Maurice de Sully, décide en 1163 de la doter d’une cathédrale. D’emblée, architectes et maîtres-d’oeuvre se rassemblent autour de Pierre de Montreuil, et donnent le meilleur d’eux-mêmes. Leur projet est de construire un édifice à l’image de Dieu. Ainsi ils dotent la nef de voûtes d’ogives et de tribunes hautes de belle ampleur, que viennent épauler des arcs-boutants. Pour parfaire la beauté des lieux, deux magnifiques rosaces ornent les bras du transept.

Pour bâtir cette cathédrale, des milliers de tailleurs de pierre ont transporté les blocs des carrières de Paris et les ont sculptées inlassablement. Pierres après pierres cet édifice a vu le jour grâce à la participation de tous les chrétiens. Ainsi l’ampleur des volumes et l’espace intérieur permet aujourd’hui d’accueillir 9000 fidèles. S’inspirant de Laon et annonçant Reims et Amiens, son style gothique est déjà très abouti.

Dès le Moyen Age, les alchimistes se donnaient rendez-vous dans la cathédrale pour tenter de trouver une réponse à leurs questions. En effet, ils trouvaient des réponses à travers le décor des portails comme les vitraux. Devenue ensuite le symbole de chrétienté nationale, Notre-Dame fut choisie pour être le lieu de réhabilitation de Jeanne d’Arc. C’est ainsi que l’édifice religieux est devenu le symbole de la France réconciliée avec son histoire. Une sorte de symbole accueillant avec bienveillance la ferveur et l’espoir national.

Lorsqu’on invente l’œcuménisme et l’union protestante et catholique, lorsque le roi Louis XV est malade, c’est à Notre-Dame qu’on prie. Lorsque l’homme qui sauve la nation de la rage et la tuberculose meurt, c’est à Notre-Dame qu’on prie. Enfin, lorsque celui qui a compris les Français en la libérant des Nazis quittent ce monde, c’est à Notre-Dame qu’on prie. Les cloches de Notre-Dame, Emmanuel, Jacqueline et toutes les autres sonnent pour rappeler à chacun notre condition d’homme de pardon et de respect.

Les écrivains ne s’y sont pas trompé. Victor Hugo, Théophile Gautier, Aragon, Claudel ont évoqué cette cathédrale dans leurs écrits. Quant aux peintre, ils sont si nombreux, de David, à Matisse et Chagall, à trouver leur inspiration dans sa façade ou son chevet.

Notre-Dame de Paris, le mythe, conférence projection.

Pour les groupes: Conférence possible dans vos locaux au jour et l’heure de votre choix.

Pour les individuels: Pas de conférence prévue

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Autour du lac de Zurich, d’adorables villages dotés de châteaux ou de couvents baroques attireront spécialement notre attention.

JOUR 1

Départ de Paris en train Lyria pour Zurich , départ 7h40 (horaires de principes) arrivée à Zurich. Installation à l’hôtel dans le centre historique de Zurich. Puis, visite de la ville et déjeuner en cours de route dans une auberge du centre historique. Nous découvrirons les églises St Pierre, le couvent des Dames et ses vitraux de Chagall. Puis nous poursuivrons vers le Lindenhoff, l’Hôtel de Ville et l’Eglise Majeure. Nous y découvrirons les vitraux de Giacometti et les maisons des corporations. Puis nous continuerons vers le musée des Beaux Arts où nous attendent les toiles de Paul Klee, Mondrian Munch, Monet, Van Gogh. Enfin, nous admirerons également les toiles de Vuillard et Vallotton et surtout l’école romantique de peinture suisse aux paysages remarquables. Continuation de la visite de la ville et retour à l’hôtel, dîner et nuitée.

JOUR 2

Notre matinée sera consacrée à la visite du village de Winterthur berceau de nombreux mécènes. En effet Oskar Reinhart et sa collection privée est la plus importante du XXe siècle. La première partie dans la villa Römerholz récemment restaurée, avec des toiles de Cranach, Brueghel , Gérard David, Corot, Goya, Lautrec, Degas. L’autre partie comprenant des toiles de l’école suisse: Liotard, Füssli, Böcklin, Menzel, Liebermann. Visite du centre ville historique et déjeuner, puis visite de la Villa Flora entièrement décorée de toiles de Vuillard, Bonnard, Matisse et Vallotton: un ravissement pour les amoureux de la peinture. Retour à Zurich en train, diner et nuitée.

JOUR 3

Départ de l’hôtel après le petit déjeuner et embarcation pour une croisière sur le lac de Zurich. Les paysages côtiers et les villages qui bordent le lac sont un enchantement. Arrivée à Rapperswill Jonas, la ville des roses. nous visiterons le village médiéval et son château médiéval qui abrite un très émouvant musée polonais. On y trouvera du mobilier Beidemeir et les souvenirs des polonais réfugiés en Suisse durant la Guerre. Déjeuner. Puis transfert en car à l’abbaye d’Einseideln. Cette abbaye baroque est aussi un lieu de pélerinage très connu auprès de la Vierge Noire. Puis nous reviendrons en car à l’hôtel, prise des bagages et transfert à la gare pour un retour sur Paris prévu vers 21h15.

Zurich séjour culturel 3 jours. Devis personnalisé sur demande

Comprenant l’aller retour en TGV Lyria, l’hébergement dans un hôtel *** au centre de Zurich, les 5 repas hors boisson. Il comprend aussi les transferts en bus privé et les visites dans tous les musées, la croisière sur le lac et les transferts en train.

Zurich séjour culturel 3 jours. Possibilité d’organiser ce voyage pour 15-20 personnes; Renseignements au 01 52 80 01 54

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Visiter la Ruche, c’est entrer dans l’intimité des peintres. Le jardin d’abord nous accueille avec ses sculptures abandonnées, ses chaises laissées là par hasard. Et puis, à l’approche du bâtiment imprégné de mystères, quelques fenêtres closes laissent entrevoir des chevalets et des toiles.

Un silence fait de calme et de labeur nous autorise à peine à lever la voix. Du reste nous n’en avons pas. Nous ne faisons qu’admirer.

En effet, cette ancienne pagode qui accueillait le pavillon des vins de Bordeaux à l’exposition universelle de 1900 est admirable. Remontée par  Alfred Boucher loin du vacarme de la ville,  elle demeure près des abattoirs de Vaugirard. En outre, ce sculpteur pédagogue, avait généreusement ouvert sa porte aux artistes, à condition qu’ils travaillent…Comme les abeilles font leur miel, les créateurs font de l’art. En effet, En 1896 les artistes qui frappèrent à sa porte n’étaient pas connus. Ils s’appelaient Soutine ou Chagall,Modigliani ou Fernand Léger et vivaient à Montparnasse.La plupart avaient fui leur pays rongés par l’appât des tsars ou le racisme. Ils avaient échoué à Paris car ils savaient que la capitale accueillait les artistes refusés.

Par ailleurs, les artistes travaillaient ensemble, ils avaient faim mais ils avaient la foi. Certains s’en allèrent et connurent la gloire. D’autres restèrent, fondèrent un foyer en continuant à peindre à Montparnasse

Aussi, Chagall partait chaque matin des toiles sous son bras pour les montrer aux galeristes. Par ailleurs Modigliani qui attirait les filles se faisait mal voir. Quant à Soutine, il déprimait mais faisait de magnifiques natures mortes. Enfin, d’autres artistes sont venus les rejoindre et aujourd’hui, nombreux sont ceux qui vivent en ces lieux.

Cette visite exceptionnelle nous les fera découvrir. renseignements au 0142800154

Pour les individuels : Pas de visite prévue pour le moment.

 Visite de la Ruche de Montparnasse. Visite possible pour les groupes tous les jours sauf le dimanche à partir de 15h30

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Né en 1850 dans une famille de paysans, Alfred Boucher se montre très vite doué pour le modelage. Marius Ramus qui exécute des sculptures de jardin, remarque les dons de l’enfant et pousse ses parents à l’envoyer aux Beaux-Arts. Il suit alors l’enseignement de Paul Dubois. En 1874 l’Enfant à la fontaine qui le pousse à préparer le prix de Rome. Et c’est en 1878 qu’il effectue le voyage rêvé dans la ville des Lumières. A son retour, il gagne sa vie en faisant de très beaux bustes pour les familles aisées de Nogent. Il accueille des élèves. Dans ce cadre, il remarque les dons de sa jeune voisine, Camille Claudel et convainc ses parents de l’envoyer à Paris. Puis il réalise des bustes de personnalités politiques qui lui valent une certaine notoriété.

L’œuvre de Boucher se situe dans la ligne académique la plus stricte, celle qui plaît à la Troisième République. D’abord, les thèmes moraux comme La Piété Filiale. Puis viennent les postures de la bonne société (La Faneuse au champ, le Terrassier) et enfin une conception beaucoup plus réaliste de la religion (Jeanne d’Arc écoutant les voix). Après la création de la Ruche à Montparnasse, son œuvre est inspirée par la modernité des jeunes locataires. Le groupe Les coureurs est d’un incroyable équilibre. Les trois hommes répètent exactement le même mouvement mais à quelques centimètre d’intervalle seulement. Ainsi le dédoublement des gestes provoque un formidable dynamisme.

Au sommet de la gloire, Alfred Boucher commence une activité philanthropique. Il fonde d’abord le musée camille Claudel de Nogent-Seine en léguant une partie de ses œuvres à la ville. C’est à partir de cet embryon que sera réalisé le musée Camille Claudel de Nogent-sur Seine. Puis il découvre l’action de Jules Ernest Bouillot qui acquiert les cabanons de la rue Falguière pour y créer une cité d’artiste. Il se renseigne aussi sur d’autres créations comme la Cité Fleurie ou la Cité des Fusains, à Montmartre. Ainsi, il décide de faire de même en acquérant une sorte de pagode, pavillon des vins de la Gironde de l’exposition universelle de 1900. Il la fait démonter et remonter dans un terrain qu’il a acheté à Vaugirard.

A la fin de l’année 1900, il achète un terrain limitrophe à sa pagode, de 4033 m2 situés rue de Dantzig et termine le remontage de la pagode. Il la décore avec des cariatides qui proviennent du pavillon des Indes Anglaises. Il fait aussi installer une grande grille qui provient du Palais de la Femme de la même exposition.

A l’intérieur de la pagode il fait installer des planchers et 47 ateliers. Il appellera le nouveau lieu: la Ruche . A partir de là, il va accueillir presque tous les plus grands noms de l’Ecole de Paris. Les Brancusi , Chagall,  Foujita, , Zadkine , tous ces artistes étrangers cherchent à se faire un nom à Paris et Alfred Boucher les accueille. Alfred Boucher ne leur impose rien sinon de la tenue et surtout du travail. Il leur propose aussi un loyer très bas et met même à leur disposition un théâtre (qui a disparu aujourd’hui).

En 1905 la cité comptait 90 artistes et artisans et la ruche comptait 110 ateliers. Alfred Boucher n’impose pas de discipline particulière. On peut être sculpteur, illustrateur de journaux, graveur de mode. La seule chose qu’il impose est un 5 à 7 où les artistes se réunissent dans un atelier de travail où pose un modèle. Il s’agit entre autre de Margot, fabricante de poupée, qui accepte de poser moyennant subsides que lui fournit aussi Boucher.

Alfred Boucher un sculpteur pédagoque

Alfred Boucher meurt en 1934 après avoir crée une seconde villa Médicis, lui qui fut deux fois recalé au prix de Rome. C’était peut-être une vengeance personnelle mais un grand amour pour l’art et les artistes.

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 Les débuts artistiques de Foujita dans un Japon traditionnel de l’ère Meiji sont fulgurants. Tsugouharu Foujita est d’abord initié à l’art à l’école des Beaux Arts de Tokyo en 1910. Puis, il décide de quitter le Japon pour la France en 1913, à la faveur de l’ouverture de son pays à l’Occident.  A Paris, il rencontre les artistes de l’École de Montparnasse et va vite en devenir un des protagonistes les plus originaux. Avec son look de marin en salopette coiffé au bol, il arpente le boulevard de Montparnasse. Il impose un art graphique aux saveurs orientales au sein de l’avant—garde parisienne. Ce nouveau style n’aura pas d’autres échos à son époque.

Foujita est avant tout japonais et l’art de son pays est indéniablement attaché au graphisme et à l’estampe. Si l’on connaît peu la nature de sa formation à Tokyo, son sens du trait place son art dans le registre du réalisme. Après s’être séparé de son épouse japonaise il arrive à la capitale française. Là, il est ébloui par la liberté créative qu’offre l’École de Paris. Cette dernière est représentée par des artistes de tous pays, juifs surtout, mais aussi d’Europe centrale. On y trouve essentiellement Modigliani, Chagall, Kremègne, Soutine, Pascin, Van Dongen ou Kisling..

Si Foujita s’intègre à cette société créative et tapageuse. Ceendant, il y a le problème de la langue. En effet, rares sont ceux qui parlent le français. C’est ainsi que l’art de l’avant-garde sera leur langage. Foujita le pudique japonais qui ne connaît que le petite épouse soumise et sèche, rencontre la sulfureuse Kiki. Cette dernière ne fait pas de chichi: une idylle naît, un modèle s’impose.

Après la Première Guerre Mondiale, Foujita se distingue par le portrait grave et léger à la fois, s’impose dans la scène picturale parisienne. Ses scènes de genres plaisent. En effet, ce sont des intérieurs de cafés ou des coins de rues dont ont les perspectives basculent à la manière asiatique. Pas de lignes de fuite mais des superpositions de plans en biais qui se chevauchent et se retrouvent sur une même feuille. Le secret: un graphisme précis et expressif d’une nouveauté inouïe.

En 1924 l’artiste rencontre Youki, Lucie Badoud, une fille formidable qui l’aime et le comprend. Elle est sa muse et son modèle et l’artiste heureux crée le meilleur de lui-même. Foujita aura très vite une part internationale dans le monde des arts. Ainsi, on le voit aux États-Unis ou en Amérique latine. Mais les évènements de Seconde Guerre le secouent profondément. Après Hiroshima, il se convertit au catholicisme. Il offre à la ville de Reims une fresque émouvante sur le Calvaire du Christ qui n’est pas sans rappeler le graphisme dynamique de Shongauer.

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Ce dernier la surnomme « la petite princesse de la mer » Marevna. Ce nom lui restera pour toujours.

Marevna arrive à Paris en 1912 et fréquente les artistes de la Ruche. Elle fréquente aussi l’académie Colarossi où elle rencontre Ossip Zadkine , Chaha Orloff, Lipchitz et le poète Ilya Ehrenburg. Elle fréquente aussi la Rotonde et ses artistes comme Chagall, Matisse, Braque, Léger, Foujita ou Picasso.Après la disparition de son père qui s’est donné la mort, elle noie son chagrin à travers les voyages. A son retour, Ilya Ehrenburgurg lui confie l’illustration de son recueil de poèmes.

Elle est soutenue dès les années 20 par les marchands Léopold Zborowski et Léonce Rosenberg. Son art est fait d’une inspiration cubiste tout en assimilant les techniques de du pointillisme. Picasso l’admire et devient son ami. Elle se lie aussi avec Diego Rivera qui deviendra son grand amour et dont elle aura une fille, Marika. Puis elle dessine des écharpes pour le compte de Paul Poiret ainsi que toute sorte de motifs de robes.

Après la Seconde Guerre Mondiale, elle s’installe à saint Paul-de-Vence où elle continue à peindre. Puis elle s’installe à Londres avec sa fille. Elle publiera en 1979 Mémoires d’une Nomade dans lesquelles elle évoque ses difficultés d’être une artiste femme. Ce qui ne l’empêchera pas d’exposer, à Londres et New York. Et même à Paris, au musée Bourdelle, un an avant sa mort en 1983.

Marevna peintre russe.

Véronique Proust

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