Tout commence au 55 quai des Grands Augustins, où elle vit avec Willy dans un appartement qu’elle déteste. Cet éditeur dirige une maison d’édition et fait travailler des écrivains sur des textes qu’il signe lui-même. Colette signera ses premiers romans « Willy », homme qui lui révélera autant l’amour que son talent d’écrivain.

Colette aime aussi les femmes et partage des divertissement saphiques avec Nathalie Cliford Barney dans son hôtel de la rue Visconti. Elle longe la Seine et décrit « Paris de sa fenêtre ». Elle évoque magnifiquement ses années rue Visconti dans « Claudine à Paris » se languissant de vivre auprès d’un père plongé dans ses études livresques et peu ouvert à ses envies.

Au Palais-Royal dont la place principale porte son nom, elle s’arrêtera souvent pour écrire. Elle restera longtemps fidèle à ce quartier puisqu’elle nous quittera en 1954 rue de Beaujolais.

Colette est une touche-à-tout, elle est à la fois écrivain, journaliste, danseuse et actrice. En 1907, après son divorce, elle ne s’appelle plus Willy mais Colette. Elle conquiert alors son indépendance, achève la série des « Claudine » qui raconte son enfance. Puis, elle se lance dans le music-hall aussi bien à Montmartre qu’aux Folies Bergères. Elle joue aussi des pièces de théâtre et réalise de nombreuses tournées dans toute la France dès 1912.

Sur les grands Boulevards, les immeubles de la presse affichent leurs façades imposantes. L’un d’entre eux abritait jadis les locaux du fameux journal « le Matin ». Elle y fait paraître de nombreux articles. Et ceux qu’elle envoie depuis Verdun en 1917, pour parler du quotidien des Poilus sont poignants.

C’est aussi dans les locaux de ce journal qu’elle rencontrera son second époux, Henri de Jouvenel. Il lui donnera une fille qu’elle surnommera « Belle Gazou ». Mais elle divorcera en 1926 et viendra habiter près de la Comédie Française, au Palais Royal. L’appartement est sombre et peu salubre, elle l’appelle « le tunnel ». L’humidité du lieu l’oblige à déménager au Claridge en 1930 puis à l’hôtel Marignan jusqu’en 1938. Entre temps, elle a épousé un troisième homme, Maurice Goudeket.

Ses années aux music-hall donnent lieu à plusieurs livres dont le plus instructif est « l’Envers du décors ». Ils nous apprennent beaucoup sur la programmation de ces salles de divertissement et la vie quotidienne des femmes qui s’y produisaient. Colette joue des pantomimes aussi à Montmartre, au Palais Royal, au Moulin Rouge. Elle avait déjà crée le scandale en embrassant sur scène sa maîtresse Missy (« le Pur et l’Impur »). Ça ne l’empêche pas de continuer d’écrire et de devenir indépendante financièrement.

Dans un autre lieu emblématique on évoquera aussi le fait que Colette fut la seconde femme admise au prix Goncourt. Toute une partie de sa vie sera aussi liée à cette vie littéraire et institutionnelle. Enfin nous terminerons notre visite aux Folies Bergères dont la façade Art Déco restaurée nous fera revivre ce que Colette a connu dans cette maison.

Année Colette. Promenade parisienne sur les pas de Colette. Visite guidée possible tous les jours sauf le dimanche.

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Lorsque le très jeune artiste intègre en 1891 l’école des Beaux-Arts de la Corogne, il se confronte très vite à la discipline des copies d’antique. Mines de plomb ou fusain, décrivent le corps humain avec une perfection plastique saisissante. Les dessins de cette époque montrent aussi que Picasso maîtrise l’art classique qu’il va repenser tout au long de sa vie.

Dans les années 1900, Picasso a la révélation de Paris mais aussi des bas fonds de Madrid et de Barcelone. Le jeune peintre fréquente le monde de la nuit, celui de la rue et des cabarets. De nombreux pastels indiquent qu’il cherche la lumière nocturne à la faveur de l’expérience des Fauves et des expressionnistes.

Les sources d’inspiration de Picasso sont multiples. A commencer par les acrobates, danseurs et arlequins qui peuplent le bas Montmartre. En effet, le jeune Picasso fréquente le cirque Medrano et multiplie les dessins et croquis. Ainsi il accentue la dynamique des corps mais aussi leur malléabilité. Arabesques, acrobates, saltimbanques dessinés à l’encre ou l’aquarelle remplissent ses carnets.

Par ailleurs, l’artiste crée de nombreux dessins avec la technique de la ligne claire. Cette technique consiste à réaliser des dessins très synthétiques de la réflexion avant d’être exécutés. Ses Nus ou ses Femmes à la plage qui revisitent un thème cézanien sont réalisés simplement avec seulement quelques traits souples.

Dans les années 1905, il travaille déjà sur l’esthétique des masques africains et sur la toile des Demoiselles d’Avignon. Il rencontre Apollinaire et crée des dessins à l’encre sur la thématique du saltimbanque, s’inpirant alors de la poésie Baudelairienne. Une autre amitié, celle de Braque, l’emmènera à Huerta de Ebro pour une recherche commune, le cubsime. C’est alors qu’à la veille de la Guerre, Georges Braque met au point une technique de papiers collés. Cette nouvelle technique mixte combine le papier collé aux papiers peints, partition d emusique rehaussés de fusain.

L’artiste va travailler sur cette méthode durant toute la Guerre. Mais sa rencontre avec Serge Diaghilev et les ballets russes va dynamiser sa créativité. Ainsi il adapte ses dessins et sa nouvelle technique aux costumes et au décors. Et par ailleurs, il rencontre sa future épouse, Olga qu’il portraiturera savamment en pastel. Picasso quitte alors la Bohème de Montmartre et s’installe avec Olga rue de la Boétie.

Là, l’artiste va réaliser sa série des Fenêtres sortes de natures mortes d’intérieur, agencées tel un spectacle dont les rideaux de scène sont ceux de la fenêtre. On retrouve aussi les objets chers au cubisme: instrument de musique, guéridon, partitions. Ce sont autant d’objets qui lui permet de s’exprimer à l’encre et gouache.

Jusque dans les années 30, l’artiste dessinera au fusain ou à l’encre des constructions cubiques. Pour autant, il s’essaie à des formes plus rondes et classiques, celle d’Élisabeth Walter qui deviendra sa compagne.

En 1937, le bombardement de la ville basque Guernica par les avions allemands bouleverse Picasso. Cette violence raisonnera dans ses dessins. En effet, il désarticule les chevaux, contorsionne les femmes, tire leurs cheveux et tord leur bouche. La figure emblématique du minotaure ressurgit, violente, bestiale. Dans ce cadre, l’encre est un allié de choix pour figurer l’obscurité et la mort.

En 1944, Picasso rencontre Françoise Gillot qui devient sa compagne. Cette dernière est l’opposée d’Elisabeth Walter. Fine, élégante, élancée, son visage de madone est encadré d’une abondante chevelure de jais. Cette douceur onirique inspire Picasso qui ne cesse de dessiner son visage.

L’artiste ne cessera de dessiner au crayon, fusain, encre ou gouache jusqu’à sa mort en 1972.

Véronique Proust

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Condamné au supplice dans l’ile de la cité entre 250 et 270, Saint Denis fut décapité à Montmartre. Pour le reste, on sait qu’il marcha avec sa tête dans la main jusqu’à la basilique où il mourrut. Mais l’archéologie révèle une toute autre histoire. La crypte de Montmartre inconnue du public et exceptionnellement ouverte ainsi que quelques lieux mythiques comme la maison des abbesses et leur église romane. Nous dévoilerons la vie des premiers chrétiens en général et le mystère de la mort de Saint Denis en particulier.

L’origine du nom de Montmartre viendrait du mot mont Martyrium. C’est là que  saint Denis a été décapité avec d’autres martyrs. Puis on a enterré le corps dans une grotte qui est très vite devenue un lieu de pélerinage. Par la suite on installa des moines chargés de garder le corps. C’est le monastère bas de Montmartre. Plus tard, ce monastère fut relié au monastère haut, où les abbesses de Montmartre vivaient en prière.

Quand le pélerinage devint trop important, on décida d’enterrer le corps de saint Denis dans un cimetière chrétien situé à saint Denis. De là naquit une légende que nous vous décripterons.

Le mystère du martyr de saint Denis. Visite  de la chapelle méconnue de saint Denis, sépcialement ouverte pour nous. Cette visite sera suivie d’une promenade dans Montmartre sur les tracs de Saint Denis. Renseignements au 01 42 80 01 54.

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Nous sommes en 1830, c’est à la fois la révolution romantique et les Trente Glorieuses. Il écrit des pièces à la manière de Victor Hugo et traduit à l’âge de 20 ans le Faust de Goethe. Puis il mène aussi une vie tapageuse au sein du Cénacle. En effet, les jeune-France, romantiques de l’époque vivent la nuit et font du chahut. Nerval fait même de la prison à sainte Pélagie. Mais il est convaincu de son art et crée en 1835 un journal de critiques théâtrales. Mais il y engloutit tout son héritage, n’ayant aucun talent à diriger financièrement une entreprise.

Alors il part en Italie et à son retour, Alexandre Dumas le fait travailler sur deux pièces Le prince des sots et Lara ou l’expiation. C’est alors qu’il rencontre l’actrice Jenny Colon et il en tombe éperdument amoureux. Ce sera une passion dévorante et à sens unique. Cette bascule de 1841 est très brutale, il a 32 ans. Dès lors ses propos paraissent étranges. Il prétend être le fils de Joseph Bonaparte. Il est interné puis relâché. On le trouve alors en train de se baigner dans les bassins des Jardins du Palais Royal. Un autre jour, il y promène un homard noué à un ruban bleu en guise de laisse.

Cela ne l’empêche d’écrire sans relâche. En effet, de 1841 à 1852, il va expérimenter toute sorte de genre littéraire, romans épistolaires ou historiques. Puis il écrit aussi des contes et des romans parodiques reprenant et combinant différemment des textes qu’il a déjà publiés. Enfin, Gérard de Nerval est un voyageur mais aussi un déambulateur. Jacques Bony signale qu’il est le grand poète de l’espace et du temps. Il est aussi celui qui met en lumière les rapports entre notre vie et le lieu où l’on est.

Fils d’un militaire du Midi et d’une femme du nord, il prend conscience de sa dualité qui fait apparaître le spectre d’un double hostile. Ceci l’oblige souvent à écrire à la première personne et donc à se mettre à nu. Doit-il avouer sa folie ? Longtemps Nerval s’y est refusé.


Gérard de Nerval, poète fou ou maudit?

L’année 1850 est à la fois fertile et difficile. En effet, il écrit une pièce l’Imagier de Harleem qui ne rencontre pas le succès escompté. La pièce est retirée de l’affiche en janvier 1852. Alors Gérard est hospitalisé de suite jusqu’en février. Puis il travaille sans relâche et publie la même année Contes et facéties, La Bohème galante, Lorely, souvenirs d’Allemagne, Les Illuminés, Les Nuits d’octobre. Puis il publie en 1853 Sylvie et c’est la rechute. A la fin du mois d’août il entre dans la clinique d’Émile Blanche à Passy, il va y passer 11 mois sur les 17 qui lui restent à vivre. C’est là qu’il écrit ses dernières œuvres, Pandora, Aurelia dans des conditions difficiles.

Gérard de Nerval poète fou ou maudit?

Véronique Proust

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Modigliani est né à Livourne en 1884. Son père est un agent de change dont l’officine ne marche pas toujours bien. Le jeune Modigliani voyage beaucoup et fait des séjours à Capri, Naples, Florence, Rome puis la Sicile. Il se forge une culture essentiellement italienne. Mais l’enfant est de santé fragile. Il contracte plusieurs pleurésies et à 14 ans, la fièvre typhoïde et la tuberculose manquent de l’emporter à 16 ans. Condamné à être souvent alité, le jeune Amédéo se met à dessiner Sa mère l’inscrit même à des cours de dessin. Retiré de l’école très tôt à cause de sa santé fragile, Amédéo grandit au milieu des œuvres d’art, de la poésie de Dante et des écrits de d’Annunzio. Mais se sensibilité le tourne plutôt vers la poésie de Lautréamont.

Un jour il décide de quitter l’Italie et de rejoindre Paris. A Montmartre. Il loue un atelier rue Caulaincourt et se dit alors plus sculpteur que peintre. Il travaille surtout la pierre et quand le travail est trop pénible (à cause de la poussière) il travaille sur bois qu’il va chaparder dans les entrepôts.

Modigliani a beaucoup de succès auprès des femmes. Il va déjeuner chez « la Mère Catherine » place du Tertre ou au Lapin Agile. Puis il rencontre Picasso, fait un portrait de lui. Picasso lui-même achète plusieurs de ses toiles. Il les conservera toutes sauf une. En effet, manquant de toiles lui-même pour peindre, il réalisera sur une toile de Modi une nature morte à la guitare. « C’est le seul crime que j’ai commis de toute ma vie » dira t’il plus tard.

Les amis d’Amédeo sont alors Picasso, Van Dongen, Utrillo. Il se drogue beaucoup et s’adonne à la boisson. Puis il décide de faire des sculptures africaines. Picasso rétorque qu’il a découvert la photo et qu’il n’a plus rien à apprendre. Picasso et Modigliani font des drogues party. Mais un jour Picasso prend peur à l’annonce du suicide d’un de ses amis sous l’emprise de la drogue et y renonce à tout jamais.

Chassé de son atelier du maquis par un programme immobilier en marche, Modigliani erre d’un ami à l’autre sans domicile fixe. Il s’installe finalement dans le quartier de  Montparnasse. Il devient alors une des figures majeures de l’Ecole de Paris.

Sa rencontre avec  Brancusi est fondamentale. Il change la forme de ses sculptures et continue à réaliser des portraits féminins. Puis il retourne à Livourne en 1913. Ses amis ne le reconnaissent plus, le voient sculpter et se moquent de lui. « Que vais-je faire de mes sculptures ? » demande Modi ; « Tu n’a qu’à les jeter dans le canal » lui répond-on. Les même amis, alertés par la côte de ses œuvres moins de 10 ans plus tard, dragueront le même canal.

Modi revient à Paris, s’installe à Montparnasse, cité Falguière. Montparnasse est alors une petite banlieue avec des maisons et des jardinets. Il rencontre Ortiz de Zarate (chilien) et Soutine . Modigliani fait alors des portraits d’écrivains, de marchands, de femmes et de nus sur la terrasse du Dôme. Il rencontre Béatrice Hasting en 1914. Ils vivront deux années ensemble avec passion.

En 1917, les amateurs s’intéressent enfin à son art et l’on fait une première expo (37 toiles). L’année suivante, Amédéo rencontre Zborowski qui devient son marchand et lui verse des mensualités. Il a aménagé un atelier chez lui et propose aussi à Soutine de venir l’y rejoindre. Suivent des bordées mémorables où les deux compères se font souvent jeter des bistrots où ils ont atterri. Amedeo est alors récupéré le matin derrière une poubelle, ivre mort.

Amedeo rencontre Jeanne Hebuterne en 1916. Elle est alors jeune élève à l’académie Colarrossi. Ils vivent ensemble. Elle est enceinte et lui donnera une fille qui est immédiatement envoyée chez une nourrice à Nice. En 1919, Zborowski revient de Londres où l’exposition « L’Ecole de Paris » a été un franc succès surtout pour Modigliani. Finie la misère !Ses portraits se vendent 4 à 600 F au lieu de 100 F. Mais son état physique s’aggrave rapidement. Transporté d’urgence à l’hôpital de la Charité il dira : « Je n’ai plus qu’un petit morceau de cerveau ».

Il mourra le soir du 24 janvier 1920 à 8h50 du soir d’une méningite tuberculeuse.

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La plus ancienne voie de Paris.

La rue saint Denis est dans doute l’une des plus anciennes voies de Paris. En effet, elle fut tracée symboliquement selon le passage de saint Denis, premier évêque de Paris, lorsqu’on le décapita à Montmartre en 250 ap JC à Montmartre. Ainsi, un culte se développa avec grande rapidité. Cette voie qui reliait jadis Notre-Dame à Montmartre, reçut le nom de rue saint Denis. Elle sera plus tard prolongée par la rue Montmartre (des martyrs et la rue des Martyrs. Elle deviendra le lieu de pèlerinage des fidèles se rendant à la basilique saint Denis.

Une avenue médiévale

Si cette voie permettait déjà à l’époque romaine, de relier Paris à Pontoise ou Rouen, elle devint rapidement le lieu de rendez-vous des pèlerins de saint Denis. Selon le protocole que l’Église institua rapidement, les pèlerins partaient de Notre-Dame, traversaient la Seine et gagnaient le cimetière des Innocents en passant par La conciergerie.  Disparu aujourd’hui, il entourait jadis l’actuelle fontaine Renaissance des Innocents, que nous découvrirons et d’où nous débuterons notre découverte. Nous évoquerons notamment les écrivais publics, les recluses, l’assassinat d’Henri IV et bien d’autres choses encore..

Le cœur de Paris

Puis, en remontant vers le nord, c’est toute une architecture médiévale qui s’offre à nous. La partie la plus intéressante se dessine à partir de la rue de Réaumur où les passages et traboules se multiplient. Les uns révèlent une histoire des messageries françaises sous l’ancien Régime. Les autres nous apprennent la vie au Moyen Age, du temps du passage du roi pour se rendre à la Conciergerie, consacré par les corporations. Les derniers nous révèlent que pouvait être la vie des hostelleries et transports parisiens sous le règne de Louis-Philippe.

Ainsi, des cabarets apparaissent, côtoyant des congrégations religieuses tolérantes, alchimie amicale qui transforme ce quartier en un lieu franchement distrayant.

Les Traboules

A travers ses traboules dont nous vous révèlerons les secrets et leurs histoires chrétiennes et savoureuses. Ainsi, vous passerez un moment passionnant de découverte et de culture parisienne.

Pour les groupes: Promenade d’1h30 pour un groupe jusqu’à 25 personnes. RV Au pied de la fontaine des Innocents, aux Halles.

Pour les individuels : pas de promenade prévue pour le moment

Renseignements au 01 42 80 01 54

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Lorsque Van Gogh désespère sur sa peinture, il écrit à son frère Théo. Ce dernier l’encourage vivement à lui envoyer des toile toiles qu’il présenterait dans la capitale française car le public est libre et éclectique. En effet, le puritanisme hollandais de cette époque ne s’ouvre pas à la modernité et les artistes se tournent vers Paris.

Le premier peintre à venir en France est un romantique…Ary Scheffer. Il s’installe dans la Nouvelle Athènes, quartier romantique de Paris. Mais il contribue aussi à faire venir des artistes hollandais demeurés dans l’oubli dans leur terre natale. Jongking vient ensuite en Normandie, attiré par les nuages changeants de la Normandie. Issu d’une nation rouée aux mystères du paysage, il introduit au Havre un style nouveau qu’il communique à Monet. En effet, ce dernier fera de cette découverte un style particulier qui aboutira à l’impressionnisme. Le suivent bientôt Isaac Israëls et Breitner.

Les peintres hollandais à Paris au XIXe siècle

Si ces artistes semblaient faire de la capitale française un lieu de formation, ils se laissèrent cependant tenter par son charme et ne retournèrent pas de suite au pays. Certains s’installèrent définitivement à Paris. Ary Scheffer demeura à la Nouvelle Athènes, en portraiturant les grands noms du romantisme.

Par la suite Vincent van Gogh sera suivi par Van Dongen , figure emblématique de Montparnasse et plus tard, Mondrian.

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Né à Limoges en 1841, Renoir a très vite montré des talents de dessinateur. Cela pousse ses parents à le placer à l’âge de 5 ans dans un atelier de peinture sur porcelaine. Il y apprend très vite l’art de la couleur, de la composition, de la cuisson et des pigments. Mais son départ à Paris et son intégration dans l’atelier Gleyre lui apprendra tout de la peinture. Il y rencontre en 1862, Sisley, Monet et Frédéric Bazille avec qui il partagera un atelier. Les artistes qui fréquentent cet atelier son libérés du carcan des Beaux-Arts. En effet, ils peignent librement sur des sujets de plein air. C’est du reste leur seule préoccupation : faire jouer la lumière sur les arbres et les fleurs.

Le dimanche, les artistes fuient Paris en travaux et se retrouvent en bord de Seine, à la Grenouillère. Monet et Renoir peignent côte à côte des silhouettes sur un fond de paysage lumineux. La lumière dénature les robes de femmes, les fleurs changent de couleur, l’eau miroitent de drôles de reflets. Les uns sont des mouvements dus à l’activité des canoës, les autres au trafic des bateaux, les derniers, aux tons lumineux d’un soleil qui change. Mais cette peinture n’est pas du ton des acheteurs. En effet, une bourgeoisie attachée à l’esthétique classique d’une peinture mélangée sur la palette et peinte en aplat n’accepte pas cette esthétique. Renoir et Monet partagent une amitié liée à la connivence esthétique mais aussi à la précarité.

Pour autant le marchand Durand-Ruel achète des toiles de Renoir en 1872 et le peintre participe à la rétrospective impressionniste de 1874. Cette dernière a de grandes retombées sur leur notoriété mais pas sur leur art. Renoir rencontre Aline Charigot qui deviendra son épouse. Il fondera un foyer qu’il devra nourrir. Aussi le dilemme est grand, entre le projet artistique et la réalité financière. Renoir saura toujours passer outre ce tiraillement, à force de travail et de réflexion sur son art.

C’est ainsi que Renoir multiplie les portraits de femmes et d’enfants qui flattent les commanditaires par des couleurs suaves et des robes bien retouchées. La critique lui reprochera longtemps cette manière. Pour autant, Renoir ne délaisse pas les grandes compositions pour représenter des scènes de la vie parisienne. Leur format dévolu naturellement à la peinture d’histoire défraie la chronique mais permet à Renoir d’entrer dans la modernité.

Les Berard, les Charpentier ou les Durand-Ruel seront autant de commanditaires qui sauveront le quotidien de Renoir et sa façon de peindre. Ils lui permettront de peindre les bords de Seine avec les lumières du fleuve changeant miroités sur le chapeau des canotiers. Ils lui permettront aussi de partir en Algérie peindre la végétation exotique. Mais les vues de Venise et Rome l’inspireront aussi. Renoir qui redécouvre les toiles de Raphaël est si secoué qu’il en recouvre une peinture classique tiré des nus du Titien.

C’est ainsi qu’en 1884, le peintre réalisera d’admirables Baigneuses dont on ne sait si elles sont tirées des laveuses de Montmartre ou des Vénus du Titien.

En 1907, atteint d’arthrite aux mains, il éprouve des difficultés à tenir son pinceau. Il achète alors une maison au Cannet où il cultive un jardin délicieux dont la végétation rappelle ses champs d’oliveraie qu’il peignait jadis. Ce lieu deviendra ensuite le lieu de ralliement de tous les peintres modernes de la génération suivante. Ainsi se succéderont, Bonnard, Matisse, Modigliani pour venir rencontrer ce maître exceptionnel.

Renoir s’éteint dans sa propriété du Cannet le 2 décembre 1919 laissant derrière lui une œuvre immense.

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Marie Clémentine Valadon naît dans le Limousin en 1865 d’un père inconnu et d’une mère blanchisseuse. Elle monte très vite à la capitale et emménage avec sa mère en 1870. A l’âge de 15 ans elle enchaîne les petits boulots : marchande de légumes, livreuse de linge, serveuse. Elle pose pour des artistes et accepte de poser nue car cela rapporte trois fois plus..

Ainsi la reconnaît-on dans les deux tableaux Danse à la ville  et Danse à la campagne de Renoir. Elle pose nue dans un le Baiser de la sirène de Gustav Wertheimer. Quant à Toulouse-Lautrec il lui donne le surnom de Suzanne en référence à l’épisode biblique de Suzanne et les Vieillards puisqu’elle pose pour des artistes plus âgés. Mais Suzanne apprend aussi en observant les gestes des peintres et se met aussi à dessiner à ses heures perdues, au point que ces derniers l’encouragent.

Quand elle ne pose pas pour les peintres, elle est acrobate. Mais une mauvaise chute met fin à sa carrière. A 18 ans, elle donne naissance à son fils Maurice, qu’elle élève seule. Il sera reconnu plus tard par l’un de ses amants, Miquel Utrillo. L’enfant sera longtemps son modèle principal et son ami Degas l’encourage à dessiner. Il lui apprend même la gravure et lui achète un dessin. Cette remarque Vous êtes des nôtres la fait enfin reconnaître comme une artiste à part entière.

L’année 1909 marque un tournant dans sa carrière puisqu’elle est la première femme à peindre un homme nu. Elle peint Adam et Eve et pousse l’audace jusqu’à se représenter nue aux côtés de son amant André Utter. Elle le représente aussi nu et dans trois poses différentes sur une toile intitulée Lancement de filet, dernière toile consacrée à la représentation du nu masculin. En effet elle s’adonnera surtout à partir de 1919, aux nus de femmes et enfants mais aussi aux natures mortes. On notera aussi le thème du nu groupé que l’artiste traite de façon récurrente. Elle cerne ses corps de noir et retranscris une sorte de paradis perdu où les corps s’inscrivent dans un espace hors du temps.

Il faut avoir le courage de regarder le modèle en face si l’on veut atteindre l’âme. Ne m’amenez jamais pour peindre une femme qui cherche l’aimable ou le joli, je la décevrais tout de suite….Suzanne représente les femmes dans leur intimité au moment de la toilette ou dans leur vie quotidienne. Elle envisage avec empathie le corps de l’autre dans une certaine complicité sororale. La nudité chez elle, n’est ni vulgaire, ni idéalisée. Dans les années 1920, elle adopte l’usage d’un cerne sombre qui contraste fortement avec la carnation des corps.

Avec la chambre bleue elle rompt avec la tradition orientaliste du nu alangui. Le modèle a forte stature ne semble pas là pour séduire le spectateur. Elle est en pyjama rayé et regarde au loin de façon pensive et nonchalante, la cigarette au bec. Ainsi, elle abandonne les critères de la féminité pour inventer un nouveau modèle contemporain de femme émancipée.

Ses natures mortes montrent aussi son regard sur ses contemporains, tels Paul Cézanne ou Matisse. Dans la nature morte au plat d’étain, elle montre un goût prononcé pour les tissus et n’hésite pas à rompre avec les conventions de la perspective. Elle travaille alors rue Cortot dans un appartement acheté par son premier mari. Elle vit avec son fils et son mari.Tous les trois vivent, peignent, exposent et voyagent ensemble. Utrillo connaît très vite un succès international et cette notoriété va vite éclipser la sienne. Par ailleurs, son désir de n’appartenir à aucun courant l’ont parfois mis à la marge du succès et de la reconnaissance du public.

Le centre Pompidou réparera cet oublie en rendant hommage à cette artiste incroyablement moderne.

Exposition Suzanne Valadon au centre Pompidou du 15 janvier au 26 mai 2025.

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Van Dongen a grandi en Hollande en admirant Rembrandt. Mais sa soif de modernité et de liberté le conduit à Paris, comme Van Gogh. En effet il y rencontre les anarchistes de Montmartre avec qui il sympathise. Puis, il fréquente Picasso qui l’impressionne particulièrement. Ce dernier partage avec lui et sa maîtresse Fernande Olivier, un atelier au Bateau-Lavoir. Et Picasso le surnomme le Gropotine du Bateau-Lavoir.

Cet artiste anarchiste n’a qu’une idée, fuir les Pays-Bas puritain et venir en France. Comme Pissaro autrefois, il sait que Paris n’est pas réfractaire aux idées anarchistes. Mais ses premiers jours dans la capitale sont difficiles. Puis il vit de petits boulots, et arrondit les fins de mois en vendant des portraits exposés sur le trottoir. Les toiles suivantes montrent que sa venue à Paris lui révèlent de nouvelles inspirations. En effet, on y voit des trapézistes du cirque Medrano, des danseuses, des clowns. Et ses dessins sont pourvus d’une matière colorée, sans concession.

La découverte des toiles de Monet l’amène à envisager la couleur autrement. Aussi ses toiles se radoucissent et se font plus poétiques. Ses vues du Sacré Coeur dans la brume ne sont pas sans rappeler les toiles de Monet du parlement de Londres.  Puis ce sont les femmes de Pigalle, les danseurs et surtout les artistes du cirque Médrano. Il connaît bien ces derniers puisqu’il dort avec eux dans une roulotte place de Clichy avant de louer le Bateau-Lavoir. Une fois de plus c’est à la couleur pure qu’il revient avec ses scènes de cabaret. Van Dongen peint aussi les ravages de l’alcool. Une femme s’est laissée prendre par l’absinthe et, tombé à terre, croit voir un démon sortir d’un chapeau.

La longue série des lithographies que l’exposition nous dévoile révèle son goût pour les sujets Montmartrois. On y voit ses amis du Lapin Agile, des peintres et des poètes assis à une terrasse de café. D’autres toiles nous montrent l’influence de Lautrec ou même de Van Gogh.

Les plus belles toiles de cette époque sont des portraits comme celui de Fernande et de la Belle espagnole. Ces portraits nous montrent des femmes aux couleurs vives dont les bouches très rouges et les yeux en amande deviendront la marque de fabrique du peintre. Elles sont aussi un un tourment majeur dans la carrière de l’artiste, car elles dévoilent sa prise d’indépendance sur Picasso. Les Boxeuses, groupe de femmes nues qui nous regardent dans un univers monochrome rose, sont un dernier écho écho aux Demoiselles d’Avignon. Non ! Van Dongen ne sera pas cubiste, il sera Fauve.

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